Paco Rosso

Paco Rosso, luz, color y fotografía.

Enseñar a iluminar

leave a comment »

Enseñar a iluminar

(c) Paco Rosso, 2009

Copiar un cuadro

Uno de los ejercicios habituales de los cursos de iluminación fotográfica consiste en copiar un cuadro o un fotograma de una película. Personalmente aborrezco de este tipo de ejercicios que normalmente se centran en copiar la indumentaria y las poses de las figuras y que dejan bastante que desear en lo que a iluminación se refiere. Los errores que una y otra vez encuentro en este tipo de ejercicios son:

  1. No se establecen unas condiciones de exposición.

  2. No se analiza adecuadamente la iluminación del original.

  3. No se planifica la escena antes de encender los focos.

  4. No se emplea un fotómetro para construir la luz.

  5. Y la peor de todas: copiamos pintura pensando que podemos aprender a iluminar haciéndolo, cuando lo cierto es que los pintores no iluminan, crear la luz sobre el lienzo.

Veamos uno por uno cada punto.

1No se establecen las condiciones de exposición

Pareciera que muchos de los profesores que se dedican a enseñar a iluminar piensan que con encender un foco y colocarlo basta para crear una escena. Su actitud es la de «tu ve encendiendo luces hasta que aquello se parezca al cuadro». Al final acaban con una escena que presenta manchas de luz con un cierto parecido al original, pero que es imposible de exponer adecuadamente.

Para que el ejercicio tenga cierto sentido, pueda enseñar algo, debe comenzar siempre por establecer adecuadamente el ajuste de exposición. Vamos a usar película de 250 ASA con un tiempo de obturación de 1/50 y un diafragma de trabajo f: 5,6. Ese es el comienzo. Cualquier construcción de la luz debe tener como objetivo imitar el cuadro para el diafragma dado. Poner focos sin ton ni son para llegar a un f:1,4 no es solucionar el problema. Eso es un ejercicio suspendido.

2No se analiza adecuadamente la iluminación del original

El análisis de la iluminación consiste en determinar las luces que hay en escena. Para ello tenemos que:

  1. Identificar el estilo de iluminación:

    1. Si es lateral, frontal, central;

    2. Su gama, si mayor o menor;

    3. Su clave, si es alta, baja o media;

    4. Como es la dureza de la luz

  2. Identificar y nombrar cada foco que cae sobre cada figura.

    1. Diferenciar si hay una iluminación de escena y otra de figura o si estas se sumergen en la misma luz.

    2. Es muy importante nombrar cada foco.

      1. Donde se ha usado una paramount,

      2. donde una rembrandt,

      3. donde una kicker. Hay que identificar y nombrar cada una de las luces que veamos. Esta falta de análisis es la que conduce a las erróneas interpretaciones de los ejercicios que veo.

3No se planifica la escena antes de encender los focos

Como resultado del análisis hay que proponer, sobre el papel, la colocación del los focos y su tipo. No hay que llegar a la escena y encender las luces. Hay que llegar con un papel dibujado y montar las luces según ese boceto y, a continuación, modificar la posición, la difusión y los recortes teniendo en cuenta las diferencias entre lo que vemos que hemos conseguido y lo que vemos que deberíamos conseguir. Estas diferencias deben analizarse siempre nombrando las luces, ver qué tipo de efectos están dándonos los focos usados y qué efectos (dirección de las sombras, aparición de brillos, modelados) queremos conseguir.

4No se emplea un fotómetro para construir la luz

Aunque a muchos profesores de iluminación les resulte difícil de comprender esto, el fotómetro es indispensable para aprender a iluminar. La excusa de que la cámara (fotográfica) ya expone bien, o que la cámara de vídeo se expone por el monitor o que de eso ya se encarga el control técnico nace de pensar, muy erróneamente, que la medición de la luz se limita a la exposición a dar. El fotómetro no sirve para exponer, sirve para iluminar. Para establecer el área libre de movimiento, para establecer los modelados, para establecer la perspectiva aérea, para establecer el contraste y también para conocer el diafragma. Si estamos enseñando a iluminar hay que llevar colgado el fotómetro, hay que conocer el contraste en la escena, la reproducción de tonos que hace nuestro material sensible y el contraste que queremos conseguir en la copia. No debemos confiar solo en la vista hasta que no adquiramos suficiente experiencia con el equipo de luces empleado. Y si estamos en un curso de iluminación es poco probable que los asistentes tengan esa experiencia. Conocer la luz que da un foco por el calor que genera está reservado a Luis Cuadrado y unos pocos más.

5Los pintores no iluminan

Esta es mi mayor objeción a este tipo de ejercicios. Los pintores no iluminan (bueno, estrictamente si, pero empleamos «iluminar» como sinónimo de poner luces, no de pintar miniaturas). Los pintores no iluminan. Los pintores parten del lienzo blanco y copian de la escena lo que quieren cuando no se lo inventan. Si el rostro que retratan está oscurecido por el contraluz de la ventana, lo aclararán. Si hay un trazo de luz bajo la barbilla producido por la reverberación en el hombro puede que lo emplee o puede que no lo tenga en cuenta en su cuadro. Dado que los pintores no iluminan, copiar sus cuadros nos enseñará composición, o el uso de la luz en la ampliación, pero desde luego nunca aprenderemos a iluminar. Cuando una luz de la escena no encaja en la composición del cuadro, el pintor pasa de ella. Eso no podemos hacerlo nosotros. Si una luz no encaja, tenemos que anularla o enmascararla. Así no aprendemos a iluminar, en todo caso, aprendemos a dar un estilo a la imagen, pero ese es un tema avanzado de iluminación, no básica.

Una propuesta para este tipo de ejercicio

Aunque soy bastante reacio a tomarme en serio este tipo de ejercicios esta es mi propuesta para que tengan algún sentido educativo. En primer lugar las limitaciones de equipamiento son las que determinan el diafragma a emplear. Puede que propongamos realizar la foto con un diafragma dado pero que no haya focos suficientes para alcanzarlo. Esta es la principal limitación. Crear limitaciones artificiales como el número de luces sin haber estudiado antes si puede realizarse en esas condiciones (y eso es algo con lo que me he encontrado en más de una ocasión) no ayuda más que a que el estudiante se dedique a buscar ropa y atrezzo en vez de luces.

El esquema de trabajo que propongo es este:

  1. Analizar las luces del cuadro.

  2. Sobre el papel proponer una primera solución.

  3. Realizar la solución en escena con el equipo disponible.

  4. Corregir el esquema con lo aprendido en la realización para alcanzar las condiciones establecidas.

  1. Primer paso. Analiza las luces.

    1. Mira cada sombra sobre las figuras, di que tipo de luz provoca esas sombras. Mira cada modelado, cada mancha en el espacio de la escena, cada brillo.

    2. Nombra las luces, frontal (paramount), tres cuartos (rembrandt, lazo), lateral, tres cuartos trasera (kicker), contra.

    3. Alturas. Si es necesario describe los focos con el reloj de Millerson. No confundas una luz frontal a la figura con una de tres cuartos, un error bastante frecuente originado por no haber analizado adecuadamente la imagen original.

  2. En el segundo paso escribe sobre el papel una primera solución.

    1. Haz un croquis de la escena con las luces que has reconocido en el cuadro original.

    2. Aquí realiza un primer dimensionamiento de las potencias.

      1. A partir del diafragma determina las iluminancias (los lux).

      2. De las iluminancias las intensidades de los focos (Las candelas).

      3. De las intensidades los flujos emitido (los lumen).

      4. De los flujos emitidos la potencia de las lámparas (los vatios). Si estamos imitando la iluminación con flashes los cálculos son mucho más simples porque normalmente solo hemos de escribirlos sobre el papel.

  3. El tercer paso consiste en tratar de imitar la iluminación con el equipo disponible. En el paso anterior habremos descubierto si el equipo disponible permite realizar la foto tal como la hemos concebido. En este paso construimos la luz con objeto de corregir nuestras apreciaciones. Sobre el papel modificamos la posición de los focos y los conformadores.

  4. En un plató bien dotado habremos conseguido la imagen en este estado, en uno más normal probablemente habremos conseguido el efecto visual en escena pero no en la copia porque no podemos cumplir con los requisitos de diafragma. Si estamos en este caso sobre el papel ya tenemos la posición de los focos y sus conformadores pero no las potencias adecuadas. Ahora es el momento de revisar los cálculos y determinar las potencias correctas que nos permitirían realizar la copia del cuadro con los requisitos reales para rodar la escena.

Las cinco sesiones

Mi planteamiento para un curso de fotografía es el de que cada ejercicio debe realizarse en cinco sesiones:

  1. En la primera exponemos el tema teóricamente.El contenido del ejercicio, lo que pretendemos aprender con él. Por regla general el asistente al curso suele quedarse con una vaga idea de lo que se expone a no ser que previamente haya meditado sobre el asunto.

  2. En la segunda sesión se realiza el ejercicio por primera vez.Lo normal es que observemos que no siempre se han comprendido ni los fundamentos ni el objeto, profundo, del ejercicio.

  3. En la tercera sesión revisamos los ejercicios realizados a la vista de todos.Todos los participantes en el curso hacen su propia crítica del trabajo. En esta sesión se enfrenta lo que el alumno ha entendido de la explicación y lo que realmente se ha dicho. Es ahora donde el alumno se percata de la realidad del tema, de lo diferente que resultó lo que entendió de lo que debía entender.

  4. En la cuarta sesión se repite el ejercicio, que normalmente ya se realiza de acuerdo a lo esperado.

  5. En la quinta sesión se revisa, de nuevo en común, el trabajo realizado, que a estas alturas suele mostrar lo que esperábamos de él en un principio.

Que nuestro cliente nos cuente una cosa y nosotros entendamos otra es moneda de curso común en cualquier mercado. Lo grave del caso está en que ambos creemos haber comprendido lo que el otro dice cuando la realidad es que hemos entendido cosas diferentes. Dar una clase teórica tiene el mismo problema. Cuando explicamos a alguien no le podemos preguntar «¿Has comprendido?» porque la otra persona nos dirá indefectiblemente que si, que ha comprendido. Y no es que mienta, es que ha comprendido algo que a menudo no es exactamente lo que queríamos decir sino ligeramente distinto. Es en la tercera sesión donde detectamos esta diferencia entre lo dicho y lo oído. Entre lo enseñado y lo aprendido. En esta misma sesión, aprovechando que a la vista de los ejercicios podemos detectar la diferente comprensión de los conceptos que tratábamos de transmitir. En la cuarta sesión repetimos el ejercicio con objeto, sobre todo, de poder experimentar exactamente lo que deberían haber experimentado la primera vez. La quinta sesión nos sirve para confirmar que los conocimiento han llegado efectivamente a donde debían llegar.

Organización de un curso

Creo que un problema de los cursos de iluminación es el de que muchos pretenden presentar «esquemas de iluminación» en vez de enseñar los efectos de la iluminación sobre las cosas. Después de estos tres escasos años el programa que desarrollo para enseñar a iluminar es este:

  1. Primero enseño a ver la luz:

    1. En un primer momentosaco los alumnos al exterior y mostraría cómo el sol crea luz dura y el cielo luz difusa, como son las sombras arrojadas y propias. Entonces sacaría un reflector y enseñaría qué es el contraste y como reducirlo.

    2. Ahora vamos a una ventana que mire al sur y por la que entre el sol, Enseño qué es la luz de sol, la luz de cielo (la «norte») y como conseguir esta a partir de aquella haciendo que el modelo de un paso atrás y se aparte del sol y como también puede hacerse tapando la ventana con un difusor. Enseño a mirar en la foto que hacemos como queda el entorno en cada uno de los tres ejemplo. Además añado un reflector para que vean como reducir el contraste. No toco aún nada relativo a la iluminación vertical y horizontal.

    3. A continuación vamos a un plató donde tratamos de reproducir las luces vistas en el exterior con los focos. Primero con un único foco con el que explico la diferencia entre éste y el sol. Doy la vuelta a la figura para que vean que el entorno oscuro del plató no reproduce la luz del cielo. Intentamos recrearla rebotando la luz con esticos, y muestro las diferencias.

    4. Aprovecho para enseñar las variables visuales del foco. Qué es un foco abierto, qué uno cerrado. Como son las sombras de la luz dura, de la luz suave, la luz difusa y difractada. Cómo dirigir la luz, las diferencias entre la luz directa, filtrada y rebotada. La influencia de la distancia, como conseguir el ángulo de caída y que no depende del giro del foco sobre el eje. Qué es la cobertura y sus tipos.

  2. En una segunda parte vemos como medir la luz. Cómo determinar las coberturas. Cómo medir no es lo mismo que exponer, que sirve para conocer la iluminación y que a partir de éste conocimiento podemos, entre otras cosas, decidir la exposición.

  3. Cómo iluminar una figura humana.

    1. Los nombres de la luz, centrándonos en los efectos que consiguen las luces individuales sobre la figura y no en la posición.

    2. Como combinar las luces para completar una iluminación. Cómo construir la luz paramount. Cómo construir la luz de tres cuartos, paso a paso e indicando las trampas y detalles que hay que tener en cuenta para su realización.

    3. Claves, gamas y posicionamiento tonal.

  4. Cómo iluminar un espacio. Aquí entramos en cálculos. Cómo cubrir un área con una luz uniforme. Cómo utilizar una curva fotométrica. Como realizar el dimensionamiento de una instalación de iluminación. Cómo calcular el tipo de foco para iluminar una figura dentro de una escena para cine.

  5. Cómo iluminar una figura. Comenzando por las variables de la figura y la iluminación de una caja. Entonces pasamos a habla del espacio del bodegón y de la iluminación de materiales, especialmente el cristal y el metal. Cómo iluminar figuras en una vitrina, como hacerlo con pequeñas esculturas, cómo iluminar obras de arte para su reproducción.

  6. Cómo mezclar luces. Cómo utilizar un espacio en localización para fotografiar y como manipular la iluminación del lugar para nuestros propósitos. Aquí es donde entramos con el tema de los filtros y la corrección cromática.

  7. Iluminación para televisión. Donde vemos la iluminación típica y característica para algunos programas: iluminación de un presentador, de dos, de tres, de una mesa de debate. Iluminaciones para una entrevista. Iluminación de un magazine.

  8. Iluminación para cine. Iluminación de un actor, de un campo contracampo. Iluminación para acción. Claves.

  9. Equipamiento, control de luces por filtros y por reguladores eléctricos. Tipos de lámparas, tipos de focos, equipo auxiliar. Electricidad, seguridad en el trabajo.

  10. Mi ejercicio final en estos años ha sido dar un guión original de una película y pedir que se planifique el rodaje (la iluminación) de todas las secuencias que transcurren en un determinado lugar. No se trata de imitar la luz de la película, sino de realizar tu propia luz a partir del guión. Guión que no es el publicado por una editorial y que se encuentra en las librerías (guión sacado de la película montada) sino una copia a máquina de un guión original. Trabajo normalmente con «Lost in translations» de Sofia Coppola.

Anuncios

Written by pacorosso

24 mayo, 2013 a 20:54

Publicado en Sin categoría

Responder

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Cerrar sesión / Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Cerrar sesión / Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Cerrar sesión / Cambiar )

Google+ photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google+. Cerrar sesión / Cambiar )

Conectando a %s

A %d blogueros les gusta esto: