Paco Rosso

Paco Rosso, luz, color y fotografía.

Archive for the ‘iluminación’ Category

Blythe, Barcelona 2007

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prblythevamp1

 

Written by pacorosso

18 julio, 2014 at 14:05

Dos modelos para iluminar la escena 2 : Skelton

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Tom Skelton percibe que el método de McAndless para iluminar la escena no es adecuado para la danza. Es un procedimiento que ilumina la figura del interprete y permite separarlo del fondo y dibujar su expresión pero que falla al dibujar las formas de la figura del/a bailarín/a. No obstante sigue a McAndless en la idea de dividir la escena en áreas de movimiento que se iluminan independientemente.. El método de Skelton permite diseñar rápidamente la iluminación de una coreografía tras analizarla así como adaptarla a un nuevo escenario durante una gira.

Skelton concibe doce áreas de acción para iluminar. Veamoslas:

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Las ilustraciones son de Skelton y están en su serie de artículos “Handbook of dance stagecraft” publicados en la revista Dance Magazine y que pueden consultarse aquí: http://www.d.umn.edu/~mharvey/handbook5511.html.

Arriba a la izquierda tenemos la propuesta de McAndless, seis áreas producidas al dividir la escena con dos términos y tres columnas.
En las otras tres tenemos la propuesta de Skelton. La idea es la de que los interpretes desarrollan sus papeles preferentemente en estas zonas, y por tanto nos centramos en ellas a la hora de iluminar.
Arriba a la derecha tenmos cuatro de las zonas de acción. Skelton llama “path” (camino) a tres columnas que recorren el escenario desde el fondo al patio (del foro al proscenio). Está la columna derecha ( a la izquierda de la ilustración), la central y la izquierda ( a la derecha de la ilustración). Abajo podemos leer “frontal wash”, es decir, bañado frontal. Un bañado es la iluminación de una superficie relativamente grande, en Skelton, los bañados son una iluminación general que da luz a toda la escena.

Abajo a la izquierda vemos las tres áreas principales de acción: dos diagonales y el área central.

Abajo a la derecha tenemos las cinco áreas restantes: tres filas en profundidad, que en Skelton se denominan “planes” (planos) y que en español podemos llamar “Términos” o “Calles” si corresponden con las calles de la escena. Además hay dos bañados más, uno por cada lado, que permiten iluminar la escena tanto por un lado como por otro.

Por tanto tenemos doce áreas que debemos identificar al analizar la coreografía:

  1. Área central.
  2. Diagonal arriba izquierda-abajo derecha.
  3. Diagonal arriba derecha-abajo izquierda.
  4. Primera calle (Primer “plano”, primer término).
  5. Segunda calle (Segundo “plano”, segundo término).
  6. Tercera calle (Tercer “plano”, tercer término).
  7. Columna izquierda (“camino” izquierdo, “left path”).
  8. Columna central (“camino” central, “central path”)
  9. Columna derecha (“camino derecho”, “right path”).
  10. Bañado frontal (“frontal wash”).
  11. Bañado derecho
  12. Bañado izquierdo.

Estas doce áreas se iluminan con al menos quince focos.

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Tres en el patio (en la ilustración los 1, 2, 3). Tres en la primera barra (4, 5, 6). Seis en tres calles uno a cada extremo de la calle (10 a 15), Dos en los extremos laterales de la segunda barra dirigidos en diagonal (8 y 9) y uno en el centro (7)

Esta disposición permite iluminar las áreas de la siguiente manera:

  1. Área central con el foco 7.
  2. Diagonal ar. izq/ab. der con el foco 9.
  3. Diagonal ar.der/ab.izq. con el foco 8.
  4. Primera calle con 10, 11.
  5. Segunda calle con 12, 13.
  6. Tercera calle con 14, 15.
  7. Columna izquierda con 1 y 4.
  8. Columna central con 2 y 5.
  9. Columna derecha con 3 y 6.
  10. Bañado frontal con 1 a 5.
  11. Bañado derecho con 11, 13 y 15.
  12. Bañado izquierdo con 10, 12, 14.

 

Personalmente echo a faltar contras. Yo añadiría al menos seis contras, una en la última barra y otra en la penultima para iluminar los tres paths desde atrás y permitir además un bañado trasero, que podemos ver en algunas coreografías.

 

Written by pacorosso

5 abril, 2014 at 16:18

Dos modelos para iluminar la escena 1 : McAndless

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McAndless y Tom Skelton describen dos modelos para iluminar la escena que permiten tras un análisis rápido de la obra realizar una iluminación en poco tiempo. La propuesta de McAndless es anterior a la de Skelton y esta nace como complemento a aquella. Skelton está interesado en la danza y estima que la propuesta de McAndless es más adecuada para la comedia.

McAndless expone sus ideas en su libro “Un método para iluminar la escena”, publicado a principio de los años treinta. Divide el espacio escénico en filas (“Términos”) y columnas que definen una serie de cuadrados. Puede haber dos o tres términos dependiendo del tamaño del teatro. Cada uno de los cuadrados recibe la luz de al menos tres focos, dos frontales y uno trasero. Los frontales están colocados más o menos en diagonal y cada uno ilumina el rostro y una mejilla del interprete. Además McAndless indica que se dote de un filtro cálido a una de estas luces frontales y otro frío al otro de manera que cada mejilla reciba un color diferente.

Leyendo la literatura en español sobre el sistema de McAndless se sugiere  que cada zona de acción se conciba como una caja cuadrada en la que los focos se colocan en los vértices frontales. Es decir, si tenemos tres áreas en el primer término habría seis focos, dos delante de cada zona y apuntando a su centro.

Sin embargo la explicación que hace Skelton del sistema de McAndless es el siguiente:

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En una escea con dos términos (Lo normal para teatros de tamaño pequeño y medio) colocaríamos seis focos en la primera barra y seis en el patio. Cada línea de focos está dividida en dos grupos con tres focos. La barra ilumina el segundo término y el patio el primero. Veamos este primer término: la primera zona, de la izquierda (recuerdese que en escena siempre los lados son los del actor, no los del público, por tanto la izquierda de la escena está en la derecha de la ilustración). La primera zona se ilumina desde el primer foco del grupo de la izquierda y el primer foco del grupo de la derecha (y no por dos focos colocados frontales a la zona, como se dice a menudo en la literatura española).

Así que los grupos de focos, para iluminar por McAndless son: en el patio dos grupos de tres focos, un grupo a la izqueirda del eje de la escena y el otro a la derecha (esto es, no necesariamente en las paredes laterales sino en los palcos frontales). Los focos se numeran de izquierda a derecha así: 1º izquierda, 2º izquierda, 3ºizquierda, 1º derecha, 2º derecha y 3º derecha. La primera zona de la izquierda se ilumina con el 1º izquierda y el 1º derecha. La segunda zona con el 2º izquierda y el 2º derecha y la tercera zona con el 3º izqueirda y el 3º derecha.

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En la segunda ilustración se vé mejor lo que explicamos en el texto.

(Las ilustraciones están realizadas por Tom Skelton y aparecieron en los artículos que escribió para la revista Dance Magazine en 1955. http://www.d.umn.edu/~mharvey/handbook5511.html)

 

Written by pacorosso

5 abril, 2014 at 15:51

Duda con las lámparas PAR64 (A ver si alguien puede aclaramela)

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Repaso los catálogos de Osram y Phillips de lámparas PAR 64 para 2013 y me encuentro algunas cosas que no entiendo.
Esta es una tabla con los cálculos que he hecho. En rojo están los resultados, en blanco los datos aportados por los fabricantes. En la última columna está el modelo de lámpara. Phil es Phillips, Osr es Osram.

Imagen

En la primera columna está el ángulo de emisión en grados (puede que haya un error ahí).

En la segunda columna (Sr) el ángulo correspondiente en estereorradianes, calculado a partir del anterior.

En la tercera columna la intensidad luminosa en candelas según catálogo.
En la cuarta columna el flujo luminoso en lumen, calculado como el producto de la intensidad multiplicada por el ángulo sólido.

En la quinta columna (W) la potencia en vatios según el fabricante.

En la sexta columna (R) el rendimiento fotométrico calculado como la división del flujo entre la potencia, (Lumen dividido por vatio).

¿Alguien se cree los rendimientos? ¿No son demasiado bajos?
El PAR56 NSP de Phillips tiene solo 4,78lm/w ¿He metido la pata en algún sitio, los datos del fabricante son erróneos o todo está bien y es que los rendimientos reales son los que aparecen?

¿Alguien puede decirme en qué estoy equivocándome?

Written by pacorosso

3 agosto, 2013 at 11:56

Que hay que aprender para saber iluminar

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Mira, mucha gente cree que iluminar (y enseñar iluminación) es:
-Luz principal-luz de relleno-contra.
-Luz dura-luz suave.
-Ley de inversa del cuadrado de las distancias (por darse el pegote, no por entender lo que es)
-Temperatura de color.

Y que con eso se agota el conocimiento de lo que es iluminar.
Y no es así.

Y lo que sucede es que cuando estás en la orilla, miras el horizonte y lo ves ahí, y crees que está ahí.
Y coges tu barca para llegar al horizonte, y el horizonte se retira. Y sigues detrás suya y no llegas.
Y entonces miras hacia tierra, y ya no ves la orilla. Y sabes que no estás donde antes creías saber donde estaba el horizonte, porque éste se ha ido a lo lejos otra vez.

Pero aprender a iluminar no es nada complicado. Consiste en diferenciar cuatro cosas: 1Que puedes esperar de un foco 2 Que puedes esperar visualmente de un objeto 3 Que pasa cuando el foco ilumina la figura 4 Como puedes controlar la luz.

Esto es iluminar, no fotografiar, para eso 5 Como traduces los tonos de la escena los de tu fotografia

Para iluminar olvida los esquemas y piensa en las luces sobre la figura. El esquema es el resultado de poner los focos donde hacen falta para conseguir que las luce, las sombras, los brillos y los sombreados estén donde tu quieres que estén. Vas de la figura al foco, no al revés, que es lo que haces cuando partes de un esquema.

Para evitarte andar con prueba y error tienes que razonar sobre principios.
Para ir a tiro hecho y hacer cambios minimo lo que tienes es que aprender qué efectos produce un foco sobre una figura, despues dos focos sobre una figura y que pasa cuando acercas dos figuras (lo que te vale para una figura y un fondo).
Y en lo que te tienes que fijar es: que el foco produce luces (tonos claros) y sombras (tonos oscuros) que dependen del tamaño del foco y que de la distancia depende la diferencia entre lo oscuro de las sombras y lo claro de las luces, que se llama contraste.
Que entre luces y sombras hay medias tintas cuyo tamaño depende del de la boca del foco y lo lejos que lo pongas.
Que además de estos tres tonos hay otros dos que es el brillo reflejo (el reflejo del propio foco sobre la superficie de la figura) y la reverberación, que es el aclaramiento de las sombras debido a la luz que reverbera en el resto de la escena.
Además de estas cinco luces sobre la figura, el foco crea cuatro luces sobre el fondo que son la sombra, la penumbra de la sombra, la caustica -que es el ramalazo de luz que se produce cuando la figura es transparente- y la luz del fondo libre sobre el que cae el foco.

Entonces aprendes cuales son las características de un foco, que son seis, como de lejos llega su luz (penetración), como es la mancha de luz que produce (la cobertura), como es su dureza (que lo notas en el perfil de la sombra y puede ser dura puntual, dura distante, suave, difusa y difractada. Y que depende de si los rayos de luz salen del foco cruzandose, paralelamente o con divergencia). Como es su envoltura, que es la relación que hay entre la luz que emite directamente el foco y la que es capaz de producir lateralmente, ya sea porque sale del mismo foco o porque reverbera en el ambiente. Como es el brillo propio y el brillo que arroja, que aparece como un velo translucido sobre la figura y que deja ver más o menos su superficie a través del velo de brillo. Y por último como es el color de la luz; si es luz coloreada, si reproduce bien todos los colores o como es la calidad del blanco.

Además, hay que aprender como la posición relativa de foco, cámara y figura divide el espacio en tres regiones de manera que cuando colocas en una de ellas el foco la luz rebota arrancando un tono blanco que mata el tono propio y que se llama región de brillo especular. Que cuando colocas el foco en la segunda región su luz no rebota sino que salpica y arranca brillo tonal, que es el que contiene el tono y el color de la figura y por último que cuando colocas el foco en la tercera región tienes brillo de transparencia, que solo aparece cuando la figura se deja atravesar por la luz.

Cuando comprendas estos elementos, entonces podrás analizar una imagen y decidir cuales son los efectos que contiene y por tanto sabrás qué, como y donde poner de focos para obtenerlos.

Y entonces, solo tendrás que retocar la posición para dejar la imagen totalmente como querías, en vez de andar poniendo y viendo que pasa.

Written by pacorosso

18 julio, 2013 at 22:34

Curvas de focos HMI575w

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Estas dos curvas muestran la iluminancia producida por un fresnel HMI de 575w en la posición spot (primera curva) y flood (segunda) para distancias de 3 a 10m.
Los datos de partida son los de las tablas del “ASC Manual” (9ª edición) pero adaptadas al sistema internacional.

SPOT

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(No hacer caso del cartel de la izquierda.

FLOOD

Imagen

Sobre los modelos de iluminación

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Sobre los modelos de iluminación

© Paco Rosso, noviembre 2012

Vale, entonces, tenemos las siguientes historias:

En los años cincuenta sesenta las películas se iluminan como si fueran retratos (oido a no recuerdo quien en la tele).

Según algunos apuntes de iluminación (el de controlbooth, «La iluminación en las artes escénicas» de Diego García) la iluminación de una escena anterior a 1932 o la que hace sin saber lo que hace pero le sale, se realizaba con una luz general difusa y otra principal. A partir de este año, con la publicación por parte de Stan McAndless de su libro «Un método para iluminar la escena» se supone que hay una «revolución», algo así como que el señor sin velas da luz a todo el mundo de la escena que andaba en la ignorancia ¿Hasta qué punto esto es verdad o son solo exageraciones de profesores de iluminación nortemericanos?

Mi problema con McAndless es que su esquema de iluminación es del que prevengo cuando se trata de iluminar fotografía: dos luces a 45º. De hecho por aquí deben de ir los tiros del certificado de profesionalidad de producciones fotográficas: han metido la iluminación de escena como si fuera iluminación fotográfica.

No veo ninguna ventaja en el modelado de McAndless y si muchos problemas. Sobre todo a la hora de iluminar fotografía.

Pero mi duda es: ¿La iluminación de cine «como retrato» es realmente «de retrato» o es una mcandelada adaptada al rodaje?

Vamos por partes:

La iluminación del retrato fotográfico, y nos estamos yendo a 1860, se hacía con una única fuente que era el cielo. No el sol, sino el cielo. Había tres posibles maneras de iluminar: lateral, frontal y alta, según de qué cristaleras se descorrieran las cortinas. Estos cristales se teñían de azul para que la luz que pasara fuera del todo actínica y evitar así que quien posaba sufriera por la exposición al sol. (¿Pero no habíamos quedado en que la iluminación era del cielo?) Habría que ver si por entonces ya se hablaba de luz norte o si en los paises civilizados usaban la luz del sol cuando la tenían.

En algunos artículos de la época se habla de reflejar la luz con un reverbero metálico para reducir el contraste.

Vamos a suponer que en el cine lo que se dió en emplear fué el sistema de McAndless, con sus dos focos a 45º (lo que yo he llamado siempre «una catetada») ¿Como podría verificarlo?

Written by pacorosso

12 junio, 2013 at 21:20

Qué es iluminar

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#    La iluminación fotográfica sí es una ciencia y podemos establecer unos principios y unos teoremas a partir de los que enfrentarnos a las situaciones que aparecen en el trabajo diario. Iluminar es decidir y realizar la iluminación de una escena para su captación fotográfica, por tanto podemos hablar de una situación o problema que requiere un análisis, planteamiento y realización, es decir, una solución. En este sentido es en el que vamos a interpretar los términos problema y solución y no en el de una situación desventajosa y onerosa de la que debemos salir. Saber iluminar no es por tanto saber conectar un foco y dirigirlo sino: 1 ser capaz de analizar una situación fotográfica (plantear el problema), 2 ser capaz de proponer soluciones, 3 ser capaz de seleccionar algunas de las las soluciones planteadas y 4 ser capaz de realizar la solución seleccionada. Además siempre deberíamos llegar a un quinto punto: 5 ser capaz de analizar el resultado para comprobar en qué medida la solución es satisfactoria y aprender así para enfrentarnos a futuras escenas.

#    La seguridad en las decisiones puede conseguirse cuando planteamos los problemas a partir de unos cimientos bien establecidos. Estos fundamentos los divido en cinco áreas cada una de las cuales dispone de una serie de variables sobre los que podemos construir nuestra razón. Las áreas son, la luz, el foco, la figura, la escena, la ilustración y las relaciones entre ellos.

#    De manera que por un lado tenemos los fundamentos (luz, foco, figura), por otro como conectan entre si luz los fundamentos (interacción simple y compuesta) y para terminar como podemos meterle mano (controlar la luz, medirla, exponer) para hacer lo que queremos hacer (exponer, dar cuenta de la forma y el espacio, expresar y dirigir la mirada.

En resumen:

Iluminar consiste en:

  1.     Analizar la escena.
  2.     Proponer soluciones de     iluminación.
  3.     Decidir la solución a     realizar.
  4.     Realizar la solución elegida.
  5.     Analizar el resultado.

Las áreas fundamentales son:

  1.     La luz.
  2.     El foco.
  3.     La figura.
  4.     La escena.
  5.     La copia.

Las áreas de relación son:

  1.     La interacción simple.
  2.     La interacción compuesta.

Las áreas de actuación son:

  1.     De objetivos
    1.     Luz para exponer
    2.     Luz para modelar
    3. Luz para expresar
  2. De procedimiento.
    1. Variables de control de la luz.
    2. Medición.
    3. Exposición.

Written by pacorosso

25 noviembre, 2012 at 15:54