Paco Rosso

Paco Rosso, luz, color y fotografía.

Posts Tagged ‘fotografia

De la adquisición del propio lenguaje visual

leave a comment »

(c) Paco Rosso, 2011 Original:26/10/11 Copia:08/05/22

Esta es una versión abreviada de la propuesta para crear el propio estilo. La propuesta completa consta de veinte aspectos a trabajar.

Decide tu estilo, habla tu lenguaje. Para crear tu propio lenguaje decide de entre los siguiente elementos cuales usarás en tus fotos y no dejes de emplearlos:

Listado de las coordenadas creativas para la fotografía de moda y publicidad

  1. Escritura: Denotativa / Connotativa.
  2. Figura aislada / Figura arropada.
  3. Objeto formal: Nuevo-pulido / Viejo-mate.
  4. Objeto semántico: Sugerencia / Juego de palabras.
  5. Escenificación: Literal (estilizado-realista)/Sueño fotogenico (ensueño-pesadilla) / Burlesca.
  6. Escenografía: Minimal / Horror vacui.
  7. Espacio luminoso: Frontal-plana / Por términos de profundidad / Claroscuro lateral / Claroscuro frontal.
  8. Composición de color: Colores vivos / Colores apagados.
  9. Iluminación: Simple / Complicada.
  10. Luz: Dura / Suave.
  11. Clave: Contraste duro / Contraste suave.
  12. Espacio: Encontrado (interior-exterior) / Construido / Desnudo.
  13. Perspectiva: Tele / Angular.
  14. Actitud de la modelo: Cercana / Distante.
  15. Dirección modelo: Estática / Dinámica
  16. Acting: Natural / Interpretada / Estilizada.
  17. Mirada: Pictorialista / Constructivista / Surrealista / Abstracta / Reportera.
  18. Tratamiento: Natural / Agresivo.
  19. La imagen del verbo.
  20. Narrativa grafica.

De la adquisición del propio lenguaje para la fotografía de moda

# Cuando vayas a fotografiar un producto piensa en el espacio en que lo pondrás, en si habrá o no otras figuras, si habrá o no una persona.

Piensa si quieres que la foto hable solo del producto o de la sensación.

Si hay un espacio ¿Como es? ¿Como encaja el producto en el? ¿Esta encerrado o tiene sitio para respirar? ¿Es agresivo, amistoso o neutro? ¿Es el espacio para vivir, para trabajar, para jugar, donde aventurarse? ¿Es cálido y acogedor, frió y alineante o por el contrario tan solo un lugar de paso? ¿Habla de la casa, del foro o del desierto?

# Si hay objetos ¿Como se relaciona el producto con ellos? ¿Lo arropan o lo critican? ¿Suman significado o lo realzan por contraste? ¿Hablan de los ideales que quieres representar con el producto o son solo mancas de luz estructurales? Cuando elijas los objetos que arropan o contrastan tienes que tener en cuenta dos aspectos: el primero es si añaden significado bien por contraste o por potenciancion; el otro es que siempre jugamos con asociaciones de ideas. Para encontrar los objetos adecuados pregunta con el concepto que quieres escribir y apunta la primera palabra que te digan. Veras que tienes dos vías de dar sentido al objeto coadyuvante, por sugerencia y por juego e palabras. Lo pulido, lo brillante, lo nuevo es símbolo de modernidad, de progreso, de higiene; pero también de mal gusto, hortera y kitsch. La limpieza es el lujo del pobre. Lo gastado, mate, usado es signo de calidad, de abolengo, de tradición, de supervivencia, la superación de lo cotidiano, remite a la pervivencia de la memoria, al triunfo contra el paso del tiempo. Pero también es lo sucio, lo enfermizo, lo gastado.

Usa los objetos para hablar de los valores asociados a tener el producto que anuncias.

# ¿Hay personas en tu foto? ¿La persona viste el producto? ¿Lo usa? ¿Se muestra feliz? ¿Quien es la persona, un famoso que aparece con su nombre, como avalando el producto? ¿La persona es una modelo que interpreta a un personaje ficticio que se mantiene a lo largo de la campaña publicitaria? ¿La persona es totalmente anónima y representa a un vecino cualquiera o por el contrario es anónima pero de una belleza arrebatadora? ¿Cual es la actitud de esa persona? ¿Posa como una estatua o interacciona con el producto? En el fondo un anuncio es un cuento fantástico del que solo fotografías el final, cuando el héroe (tu) encuentras el objeto mágico ( lo que anuncias) y alcanza la felicidad al emplearlo. Mira que de las tres partes del cuento: el orden roto, el héroe que encuentra el objeto mágico, el orden restaurado, solo fotografías el ultimo acto.

# ¿Como haces que la persona actúe? ¿La modelo vive una situación cotidiana y plausible, un sueño o una burla? Si elegiste fotografiar un sueño ¿Hiciste de el un ensueño o una pesadilla? ¿Cual es tu actitud al dirigir la escena? ¿La haces posar rígidamente dentro de una composición previamente dibujada (aunque sea en tu cabeza) o la dejas moverse a su antojo? ¿Disparas tras meditar mucho el tiro, como si usaras placas al estilo de Vallhonrat o eres de gatillo fácil?

# Para que tu producto no se pierda, para quien ve tu foto va el producto ¿Como llevas la atención hacia el? ¿Lo destacas con la luz, con el enfoque, con el encuadre? ¿O creas caminos visuales que muevan la mirada hacia el producto?
Y como es tu mirada ¿De angular o de tele? ¿Pones angulares y te acercas para acusar la perspectiva alejando visualmente el fondo de la figura? ¿O pones teles y te vas lejos, para pegarlos?

# ¿Y tus luces? ¿Como son tus luces? ¿Duras de sombras marcadas o suaves, de sombras insinuadas?

¿Y como son tus colores? ¿Rabiosos o callados? ¿Intensos sobre fondos y figuras de tonos apagados o un griterío de tonos brillantes?

# Piensa en tu contraste ¿Quieres tonos de brillos semejantes o usaras las gamas completas del negro total de la tinta al blanco del papel?

# ¿Como modelaras las caras? ¿Pones luces frontales sobre ellas, o prefieres dibujarlas a tres cuartos?

¿Y donde tiras? ¿Buscas el espacio, al exterior, con luces que apoyen la luz natural? ¿O prefieres encontrar un interior? ¿O quizá te gusta construir en el estudio el sitio que imaginar? ¿Un estudio con un fondo neutro y jugar con tu modelo, la luz, las sombras y la ropa? ¿Y esa luz, como la concibes? ¿Como un complicado juego de sombras y manchas de color? ¿O como una base para ver y un modelado para mirar?

Principales rasgos a trabajar

De los veinte rasgos anteriores, los principales en los que te puedes centrar son estos diez:

-Luz dura / suave.

-Luz lateral / frontal.

-Estilo de imagen pictorialista / constructivista / reportaje.

-Colores vivos / apagados.

-Gama mayor / gama menor.

-Ambientación (Interior / localización / exterior / estudio vacío / decorado).

-Perspectiva (Tele / angular).

-Luz naturalista / simple / artificiosa.

-Actitud estática / dinámica.

-Actitud espontánea / posada.

# Luz dura / suave. El estilo de iluminación por dureza se construye a partir de los cuatro tipos de luces: dura, suave, difusa y difractada. La luz dura consiste en una iluminación que proporciona sombras de dibujo nítido, suele ir acompañado de una gama tonal amplia, lo que más abajo llamaremos gama mayor que indica un contraste alto. Para conseguir luz dura usamos focos de pequeño tamaño o bien de gran tamaño colocados lejos. Por tanto usaremos reflectores rígidos o focos extensos pero de luz elíptica o cilíndrica. La luz suave arroja sombras cuyo perfil se desdibuja. Se hacen con focos extensos colocados cerca de la figura. También se pueden usar focos rígidos tras telas o visillos. La luz difusa se hace rodeando la figura de luz, es la que proporciona el cielo abierto (sin nubes) o cubierto. Puedes conseguirla con un techo cubierto de focos o rebotando sobre él la luz. La luz difractada ofrece manchas de luz sobre la figura y sombras desdibujadas mediante halos en vez de degradados.

# Luz lateral / frontal. Son dos estilos que se trabajan con la luz principal. En el primero usamos luces alejadas -angularmente- de la cámara y en el segundo colocamos la luz principal detrás de la cámara. Las luces laterales resaltan los volúmenes y la textura, por tanto la caída de la tela, el entalle y la tela. Las luces frontales resaltan los colores y las transparencias (cuando algo refleja la luz desde atrás de la figura).

# Estilo de imagen pictorialista / constructivista / reportaje. El estilo pictorialista trabaja las calidades tonales y geométricas tratando de simular efectos pictóricos. Podemos realizarla en cámara o en el revelado. Empleamos texturizados, flous, veladuras, movimientos. Todo lo que nos permita dar cualidades del pincel a la fotografía. El flou consiste en una falta de definición que, en su versión original, se consigue con la aberración esférica del objetivo y puede simularse echando vaho sobre el objetivo o ensuciando el filtro frontal con vaselina. Otras maneras de conseguir el flou consisten en tapar el objetivo con una media o con papel transparente arrugado. Las veladuras se consiguen con manchas de luz sobre la escena o sobre la lente frontal del objetivo. El estilo pictorialista trabaja la imagen general de la escena, mientras que el estilo constructivista trabaja sobre la representación de la forma, se deleita en la figura, en su volumen, sus brillos, su textura. Por tanto tratamos de resaltar las variables visuales de la tela: color, textura, caída y entalle.

En el estilo de reportaje sacamos la moda a la calle y la trabajamos como una secuencia de vida diaria o de noticia. Trabajamos sobre la integración de la moda en el entorno, con los contrastes semánticos propios que puedan darse (rico-pobre, orden-desorden, colores vivos-colores apagados, etc).

# Colores vivos / apagados. ¿Como serán los colores de la producción, los colores que empleas en tus fotos? ¿Son colores vivos o apagados? Para hacer más vivos los colores usa película de colores saturados o configura tu cámara y revelado en colores vivos. Para apagarlos usa película para retrato o configura tu cámara para colores suaves o retrato. Hay programas de revelado raw que mantienen la configuración de la cámara, con lo que si ajustas sus parámetros de funcionamiento a tu antojo el programa de revelado los usará como base de trabajo. Los parámetros a configurar en la cámara son: viveza de los colores, saturación, equilibrio de color y nitidez. El equilibrio de color es un ajuste que hace que las pieles sean más amarillas o más rojas, no es el balance de blancos. La nitidez deberías dejarla siempre a cero, de manera que el raw entre al programa de revelado sin forzar el enfoque, ya que éste debe hacerse únicamente al enviar la foto a la impresión.

Naturalmente, además de la selección que hagas del material sensible, el efecto final depende en gran manera de los colores en escena. Especialmente del entorno de la figura. Unas prendas muy saturadas pueden apagarse con un fondo de tonos neutros o pasteles y con un material sensible de colores naturales.

# Gama mayor / gama menor. La gama mayor es cuando los colores pertenecen a familias diametralmente opuestas en el círculo de color, la gama menor, cuando pertenecen a familias adyacentes. También hay una gama tonal que depende del valor del color, esto es, de lo oscuro que sea.

Clave y gama son los dos conceptos básicos para la composición de color. La clave puede ser malta o baja. La clave alta contiene colores luminosos, la clave baja, colores preferentemente oscuros. Hay una tercera clave, la media, que contiene preferentemente colores medios. Además de la clave hay que tener en cuenta la gama. La gama puede ser mayor o menor. La gama mayor contiene tonos contrarios, de claros a oscuros en valor o de una familia a su contracolor. La gama menor contiene tonos parecidos. En color, de familias muy cercanas, en valor, tonos muy similares. Hay por tanto tres tipos de gamas menores: tonos oscuros y algo oscuros, tonos medios o tonos claros. Al unir claves con gamas tenemos seis posibilidades:

Clave alta – gama mayor: El aspecto general de la imagen es muy luminoso pero hay algunos toques de tonos oscuros. El histograma está a la mitad y la derecha pero ese extiende hasta el extremo izquierdo aunque a muy poca altura. Este tipo de imagen es el que se conoce comúnmente por clave alta.

Clave alta – gama menor: El aspecto es luminoso pero los tonos son medios y claros. No hay ninguno oscuro. Suele ser el caso de fotografías sobreexpuestas. Su histograma está en el centro-derecha, el lado izquierdo esta vacío.

Clave baja – gama mayor: La sensación general es de oscuridad, con muchos tonos oscuros, pero contiene partes con tonos muy claros. Su histograma se concentra en la mitad izquierda pero se extiende hasta la derecha. Es el tipo de imagen que normalmente se identifica con el nombre clave baja.

Clave baja – gama menor: El aspecto general es oscuro y no hay tonos blancos ni de segundas luces. El histograma es muestra casi todo el contenido en la mitad izquierda y no llega a la derecha. Su aspecto puede identificarse con una fotografía subexpuesta, por lo que hay que trabajar este tipo de imagen con cuidado.

Clave media – gama mayor: La imagen está formada casi por entero por tonos medios pero con algunos detalles muy claros y muy oscuros. Su histograma contiene una montaña central que baja hacia los extremos y puede que no pierda mucha altura. Presenta un buen contraste.

Calve media – gama menor: La imagen tiene muchos tonos medios y carece de luces y sombras. El histograma tiene casi todos los tonos en la parte central y no llega a los extremos.

# Para obtener el estilo tonal hay que centrarse en tres aspectos: los colores y tonos de las cosas que hay en la escena, la iluminación que proporcionan los focos y la iluminación de entorno que proporciona el ambiente. La clave alta, el aspecto luminoso se obtiene rodeando la figura con luz, pero el efecto es diferente si estamos en un estudio de paredes blancas o negras. Si quieres un aspecto luminoso utiliza un estudio claro. El problema de este tipo de estudio es que hay mucha luz rebotada que hace difícil controlar el nivel y el contraste. Si quieres un aspecto con más carácter, con más contraste en las formas, usa un entorno de estudio negro o gris medio, la cantidad de luz rebotada es inferior y el relleno escaso te permite controlar mejor donde cae la luz y qué contraste obtienes al final.

# En lo que concierne a la composición con color, hay seis familias de colores, rojos, naranjas, amarillos, verdes, azules y violetas. La composición normal de color consiste en tomar el color de la figura, que llamamos tónica, y colocarlo sobre un fondo cuyo color es de una familia opuesta en la rueda a la tónica. A este color del fondo le llamamos dominante. No es imprescindible que sea el color del fondo, pero si el que ocupa más extensión en la escena-imagen. Para reducir el contraste empleamos un tercer color, que llamamos, subdominante y que conviene elegirlo en alguna de las dos familias adyacentes a la del dominante. La regla para una composición equilibrada es que cuanto mayor sea la extensión del color, menor sea su saturación. Por tanto, no usar colores muy vivos en superficies grandes y mantener estos en las superficies más pequeñas. Naturalmente si en vez de querer una composición equilibrada la queremos estridente podemos usar colores vivos en superficies extensas. Por tanto: para composición equilibrada, color tónico vivo, en la figura; color dominante suave, en el fondo. Para una composición estridente: tónica viva, dominante viva. Una variación de la composición armónica consiste en elegir el color de transición en vez de de una familia vecina a la dominante, de una vecina a la tónica.

La segunda composición es la monocromática, que consiste en elegir todos los tonos de una única familia.

La tercera composición es la de gama cromática menor, en la que los colores pertenecen a dos familias cercanas.

La cuarta composición consiste en volver a la armónica, con tónica y dominante y sustituir esta dominante por las dos subdominantes posibles, es decir, colores de las dos familias adyacentes a ésta. Esta composición se llama por complementarios divididos.

En la quinta composición mantenemos los dos colores adyacentes a la dominante y empleamos no la tónica sino sus adyacentes, es decir, los complementarios de las dos subdominantes. A esta composición la llamamos de complementarios dobles.

# Ambientación (Interior / localización / exterior / estudio vacío / decorado). Estos son los cinco espacios a utilizar. El interior es un espacio en el que se construye un decorado. Todo está colocado a partir de un plan. Se diferencia de la localización en que éste es un espacio real previamente existente que adaptamos para nuestras fotos mientras que el interior puede ser perfectamente un estudio dentro del que se ha construido la escena, si bien esto no significa que tenga que ser un plató, puede tratarse perfectamente de un local vacío de uso comercial, no industrial. Una de las limitaciones de la localización está en las fuentes de energía, que suelen ser comerciales o domésticas pero no industriales, lo que nos limita la potencia a utilizar o los accesos, como el tamaño de las puertas, la posibilidad de carga y descarga o el acceso a aparcamiento así como los espacios de trabajo para recursos, como pueden ser camerinos, baños, cocina, etc.

# En localización debemos cuidar el la mezcla de luces ambiente con la de nuestros flashes y usar juiciosamente las diferentes temperaturas de color. No es obligatorio compensarlas para igualarlas, ya que podemos jugar con las distintas calidades para conseguir efectos plásticos de luz. Como regla general para compensar: podemos filtrar la luz día (sol o flashes) para adaptarla a la luz ambiente o al contrario. Para adaptar las luces usamos cinco tipos de filtros: CTO, anaranjados que convierten la luz de los flashes en luz de tungsteno. CTB, azulados, que convierten la luz de tungsteno a la luz de flash. CTS amarillentos con un efecto menor que los CTO y que simula la luz del atardecer. Plus Green, verdes, que adaptan la luz del flash a la fluorescentes instalada in situ y Minus green, rosa (magenta) que adapta la luz fluorescente a la del flash.

# En el exterior trabajamos normalmente con luz natural apoyada por focos y reflectores. Los reflectores son superficies blancas, plateadas o doradas que reflejan la luz. Las plateadas y doradas están formadas por telas metalizadas que reflejan gran cantidad de luz de forma directa, por tanto proporcionan luz dura y pueden usarse para luces principales. Por ejemplo, podemos emplear el sol directo como contra mientras el reflector toma la luz del sol y la dirige como luz principal hacia la modelo. El acabado plata proporciona una luz azulada que rellena perfectamente las sombras a pleno sol mientras que el acabado dorado proporciona un tono cálido que resulta muy aparente a medio día pero se combina adecuadamente con la luz dorada de la tarde. Los reflectores deberían colocarse altos para que arrojen su luz de manera natural ya que si los colocáramos bajos, su luz iría del suelo hacia arriba. Esto se aprecia claramente en el modelado del rostro: mientras el reflector alto ilumina los carrillos por encima, el reflector bajo ilumina el párpado superior y deja en sombras la parte alta de las mejillas y carrillos.

# Para emplear focos existen generadores portátiles que proporcionan potencia para realizar una media de cien a doscientos disparos por carga. Cuando se emplean estos generadores solemos apagar las luces de modelado y los ventiladores para que reservar su energía para los disparos. La luz de los focos puede usarse tanto como relleno para completar la luz natural como luz de potencia para proporcionar la iluminación principal. En exteriores la luz del cielo proporciona la base mientras que el sol, el reflector o nuestros focos hacen de luz principal y contra. Sobre los cálculos para reforzar la luz hablamos en otros apuntes.

Las escenas nocturnas son una historia muy diferente que emplea focos directos o ventanas. Son muy populares los reportajes realizados con flashes en cámara para simular escenas periodísticas.

# El estudio vacío es casi una religión. Modelo, fondo, ropa (mucha o poca) y luz. El estudio suele tener dos disposiciones: fondo plano o L. El estudio de fondo plano cuelga una tela, o papel, y se organiza con un punto de vista único: fondo-figura-cámara alineados. Existen pórticos portátiles que podemos montar en cualquier lugar, incluso en exterior. El fondo más pequeño estándar mide 2,7 metros de largo, aunque hay un fondo subestandar de 1,35 que no es recomendable ya que encajona demasiado a la modelo. Con el fondo plano se hacen dos grupos de luces, uno para el fondo y otro para la figura. La manera de iluminar un fondo plano de manera uniforme consiste en colocar los focos a los lados a una distancia igual a la mitad del largo del fondo. La distancia de la modelo al fondo conviene que sea al menos la misma altura de la modelo para que no arroje su sombra sobre la pared, aunque esto no es una regla y debemos usarla a nuestra discreción según el efecto que queramos conseguir. Para conseguir el estilo de fondo blanco deberíamos iluminar éste de manera que al medir su brillo nos dé al menos un paso y medio más cerrado que el diafragma que queremos emplear en cámara. Si medimos la iluminación en el fondo deberíamos tener al menos el mismo diafragma que en la figura.

# Trabajar con decorado consiste en crear un espacio arquitectónico dentro del espacio escénico. Las ventajas del decorado sobre la localización son múltiples: por un lado podemos trabajar en unas instalaciones industriales, con suficiente energía para las máquinas, con accesos adecuados para carga y descarga y aparcamiento para el equipo. Por otro lado al crear el decorado podemos manipular el espacio. Por ejemplo podemos mover las paredes del espacio simulado de manera que en vez de trabajar encerrados entre cuatro paredes montamos solo las dos o tres que han de verse y colocamos las cámaras en el lado abierto. Si es necesario cambiar de ángulo tan solo hay que quitar una pared y poner otra. Además, podemos tener varias paredes preparadas con diferente pintura, lo que nos permite «cambiar» la decoración del lugar en muy poco tiempo, mientras que en localización habría que empapelar o pintar las paredes de nuevo cada vez.

# Perspectiva (Tele / angular). La perspectiva se manifiesta por tres elementos que son: la pérdida de tamaño, la pérdida de detalle interno y la pérdida de contorno con la distancia. Si colocamos dos figuras iguales una mucho más lejos que la otra veremos que: la más cercana aparece más grande en la foto. La más cercana tiene más detalle en su interior que la lejana que aparece rellena de una manera más uniforme. Además el contorno de la figura cercana está mejor dibujado que el de la lejana, cuya imagen muestra los ángulos suavizados. Todo lo lejano tiende a ser más pequeño, más relleno y más ovalado. Estos tres efectos forman la perspectiva geométrica, además hay que añadir la perspectiva aérea que aparece por dos efectos: los tonos de la figura lejana son menos densos, menos saturados y, en caso de figuras al aire libre, sus colores se tiñen de azul.

# El efecto de la perspectiva aparece por la distancia de la cámara a la figura y no por el objetivo que utilicemos. Hay fotógrafos de tele y fotógrafos de angular. El angular obliga a trabajar cerca de la modelo, lo que hace que su figura se sobredimensione respecto del entorno, adquiriendo protagonismo. Al acercarnos a la modelo acusamos las fugas de las líneas porque vemos los extremos de la habitación que están más cerca nuestra. Además, y este es el efecto principal, al acercarnos a la figura la separamos del fondo, separamos los distintos planos en profundidad con que está creada la escena. El efecto de colocarnos lejos es exactamente el contrario, reducimos la distancia visual entre los términos en profundidad. Por ejemplo, si decimos a la modelo que avance hacia la cámara, al estar cerca veremos que cambia rápidamente de tamaño y que su altura, comparada con la altura de las figuras que estén al fondo, se hace muy diferente. Pero si estamos lejos, al avanzar la modelo veremos que casi no cambia su altura ni la relación entre ella y la de las figuras del fondo. Al estar cerca de la modelo, el espacio entre los términos de profundidad es suelto, al estar lejos, el espacio está comprimido.

Recuerda siempre que el efecto lo produce el que la cámara esté cerca o lejos, no que uses un objetivo angular o uno largo. Elegir una forma de trabajar crea parte de tu estilo, de tu lenguaje.

# Además de la distancia a la figura creas tu estilo con la altura de tu cámara: hay tres alturas, alta, normal y baja. La cámara normal, situada a la altura de los ojos de la modelo da una imagen cotidiana y común, que es de lo que tratamos de huir. La cámara baja, muy por debajo de los ojos de la modelo, le da más preeminencia y protagonismo. Bajar la cámara no significa inclinarla (contrapicarla) aunque es una posibilidad. Al agacharte y tirar de rodillas subes el cuerpo de la modelo dándole más importancia. Allí donde coloques la altura de la cámara dirigirás la mirada de quien ve tus fotos. La cámara baja aumenta el tamaño visual de las piernas.

La cámara alta atrae la mirada pero reduce el tamaño visual de las piernas, solo deberíamos usarlo como recurso estilistico para algunas fotos y no como estilo de imagen.

# Luz naturalista / simple / artificiosa. La luz naturalista se inspira en la luz del día. Consiste en una luz difusa, por tanto que no provoca sombras, creada por el cielo, que da un nivel de iluminación base para toda la escena y por tanto propociona el mismo diafragma en todas las direcciones. A esta luz base que proporciona el tono para las sombras, se suma la directa del sol, que proporciona la luz principal. Sus sombras son duras. La luz principal marca la hora y las formas, la base crea el estilo. La luz principal nos da el diafragma para las luces, la base el diafragma para las sombras. Cuando el día está cubierto su luz es solo difusa, solo base. La luz naturalista trata de imitar esta disposición. Consiste en al menos dos luces. La base, que la creas bien frontalmente (luz base en batería), bien rodeando la escena con focos (luz base envolvente) o bien dirigiendo la luz base desde arriba, ya sea filtrandola a través de un visillo, rebotándola al techo o con varios focos dirigidos hacia abajo como una matriz (luz base por techo radiante). A esta luz base, que es la primera que ajustas, para conseguir el diafragma sombras, añades un foco principal que puede ser un paraguas, una octa, una softbox, una beautydish, una parábola o una spotlight. De todo esto hemos hablado en el curso de iluminación.

# En el estilo de luz simple tratas de hacer una iluminación sin complicaciones, por ejemplo con un único foco más un reflector en un entorno no demasiado oscuro que proporciona la luz base por reverberación en el entorno y no por haber instalado focos para ello. Las luces simples y naturalista son casi una filosofía de la iluminación que trata de concentrar el trabajo en la actuación y no en la creación de efectos plásticos mediante la luz. Responde a los principios de luz para ver y luz para mirar.

# La luz artificiosa persigue un estilo complicado en el que la luz no solo expone o modela las formas, además trata de hacerse visible a si misma como objeto plástico. Por tanto no solo sigue los principios de luz para ver y luz para mirar, sino que añade el de luz para contemplar. Para ellos usa reflejos, filtros, luces coloreadas localizadas, manchas de luz, causticas. Mezcla luces de diferente temperatura de color, usa gobos de colores para manchar de color la escena. Cualquier recurso disponible que pinte la luz y que no la use solo para dar cuenta de la forma y la escena. Si no sabes de lo que estoy hablando, repasa el curso de iluminación. Repasa además la composición con luz y con colores para desarrollar tu lenguaje con esta sintaxis.

# Actitud estática / dinámica. Estas dos actitudes corresponden al fotógrafo. El estilo estático establece unas lineas de composición poderosas, verticales y horizontales nítidas, arquitectónicas Formas claras y rotundas. Términos de composición nítidos y bien marcados. Las curvas en la imagen son suaves y dirigen la mirada. La composición establece caminos para el ojo que dejan claro donde mirar.

# El estilo dinámico funciona mediante líneas diagonales y curvas bajo las que subyace un camino para la mirada pero que se desdibuja dando pié a más de un camino visual. El estilo dinámico no se pliega a la nitidez sino que acude a menudo a soluciones gráficas como desenfoques o movimientos.

# Hay tres elementos en la composición formal de una imagen: puntos, líneas y manchas. Las líneas son los trazos que dejan los puntos al moverse. Hay tres tipos de líneas, las rectas las inclinadas y las curvas. Las líneas rectas pueden ser explicitas o implícitas Las líneas explicitas están trazadas o sugeridas por las formas. Las líneas implícitas las crea el ojo uniendo elementos de la composición. Las líneas implícitas pueden dar lugar a figuras de composición cuando se cierran en un circuito, esto es, la línea construida por el ojo uniendo puntos acaba con un segmento cuyo extremo es el primer punto con el que arranca la figura. Existen muchos esquemas compositivos bajo los que subyace una figura implícita. Las líneas verticales y horizontales dan idea de orden, de solidez, mientras que las inclinadas transmiten una sensación de movimiento, de dinamismo, de inquietud.

# El cuadro de la imagen se divide en cuatro mitades: dos verticales y dos horizontales que dan lugar a cuatro áreas. Según Kandinsky todo lo colocado en la mitad derecha o inferior adquiere mayor peso visual que lo colocado en el lado izquierdo o superior. Como consecuencia al mezclar las dos divisiones resulta tener el área inferior derecha el mayor peso mientras que la superior izquierda tiene la menor. Las otras dos, inferior izquierda y superior derecha tienen un peso medio. Una figura tiene por tanto más peso abajo a la derecha, menos arriba a la izquierda y un peso intermedio en los otros dos. Una diagonal trazada desde la esquina inferior izquierda a la superior derecha se asienta con igual peso en ambos extremos y resulta, por tanto, estática. En cambio, una línea situada sobre la diagonal que desciende arriba a la izquierda hacia abajo a la derecha tiene mucho más peso en un parte inferior que en la superior, con lo que tiene una sensación visual en la que tiende a subir. Es una diagonal dinámica.

# Actitud espontánea / posada. Estas dos actitudes corresponden a la modelo. La actitud de la modelo es una de las líneas más importantes que hay que trabajar. El estilo de imagen posada se realiza mediante un posado muy meditado. La modelo ejecuta la pose o bien realiza movimientos lentos. La estilización excesiva de la pose puede resultar anticuada y estrafalaria por lo que solo habría que adoptarla como recurso expresivo para imágenes concretas y no como marca de tu casa. No obstante es el error en que caen muchos aficionados a la fotografía que piensan que hacen fotografía de moda. Esto no significa que el estilo estático no sea profesional, sino que hay que cuidar cuando nos acercamos a ese estilo de maniquíes de dedos rígidos y rictus en las caras. El estilo posado parte de poses ejecutadas en tranquilidad en las que se puede llegar a controlar el movimiento de cada articulación o la posición de cada mirada. A veces la pose estática es la manera de trabajar con la modelo cuando la iluminación se hace marcando áreas muy concretas de la escena. En estos casos la luz suele ser artificiosa y cada rayo de luz, cada mancha está creada sobre la figura para obtener un efecto concreto, razón por la que la pose debe adaptarse a la luz y nunca sabemos bien qué ha sido antes, si la pose y después la luz o bien si ésta se ha creado primero en la cabeza el fotógrafo y la pose se ha adaptado a la luz creada. El estilo posado, puede estar sugerido también por el uso de flashes de potencia con tiempos de recarga largos (medio segundo, un segundo o más) o cuando fotografiamos con placas o hay que realizar fotomontajes posteriormente. La interpretación de la modelo en el posado es similar a la de una escultura en la que el movimiento se detiene en el momento culminante de la cadena de posiciones de la acción.

# El estilo espontaneo puede ejecutarse marcando un área de movimiento a la modelo y disparando con un equipo que permita hacer ráfagas o, al menos, multiplicar los disparos para una única imagen. Para poder disparar a ráfagas, hasta hace poco solo podíamos emplear luz contínua, pero hoy en día existen equipos de flashes de carga rápida. Como regla general la carga del flash se acorta cuando bajamos el ajuste de potencia, una de las razones por las que conviene emplear flashes de mayor potencia que la que pensamos necesaria. Por ejemplo, es preferible usar un compacto de 1000 vatios disparado a 250w (quitandole dos pasos de potencia) antes que un flash de 250w porque el primero recargaría (teóricamente) más rápidamente estar ajustado a un cuarto mientras que el segundo debe cargarse por completo. El estilo espontáneo trabaja sobre el gesto y la actitud. Es mucho más cercana al lector que el posado, lo que facilita la identificación entre producto mostrado y público. Para poder trabajar el estilo espontáneo debes jugar con una cámara con un enfoque muy rápido o una profundidad de campo aceptable. En el ejercicio de test tienes unas recomendaciones sobre el ajuste del diafragma y de la iluminación para dar espacio de movimiento a la modelo. La interpretación de la modelo en éste estilo es mucho más espontáneo, la modelo no se para, somos nosotros quienes debemos capturar los gestos y actitudes.

Written by pacorosso

8 mayo, 2022 at 20:31

De lo que pueda ser fotografiar la danza

leave a comment »

Un asunto al que le doy vueltas hace tiempo, ¿Cual es la esencia de la danza? No es la música, desde luego, hay danza sin música. La danza y la música comparten un principio que es el movimiento, por eso se han asociado música y danza desde siempre, pero no siendo el uno esencial para el otro podemos separarlos, danza sin música.
¿Puede haber danza sin movimiento? En 1967 Paul Taylor presenta su obra (coregráfica) Duet con «no partitura» de John Cage. En la obra un pianista (David Tudor) y un bailarín,el propio Taylor. Durante tres minutos el pianista no toca, el bailarín permanece totalmente quieto, es una versión, coregráfica, del 4’30» de Cage. Taylor desafia el último precepto de la danza: no hay movimiento.Hasta aquí la historia. Ahora la meditación personal: ¿Si no hay movimiento hay danza? Si es así, entonces ¿Qué fotografiamos al fotografiar danza? Si fijamos el movimiento en la imagen ¿No estamos contradiciendo el propio principio de la danza que es el movimiento?
Por tanto ¿Como recuperar la esencia de la danza en la fotografía? Se me ocurren dos maneras: la fotografía futurista, de tiempo de exposición prolongado que recoge los trazos del cuerpo. La segunda, la serie, la secuencia, que muestra instantes del paso pero no lo reduce a un único «momento decisivo» al que se le da toda la importancia y con el que se desprecia, en cierto modo, todo el resto del movimiento, de los que cada fase importa para la creación de ese instánto supuestamente único.

Written by pacorosso

8 junio, 2014 at 13:51

(mi) Propuesta para proyectos de fin de estudios de fotografía

leave a comment »

Proyectos integrados

Propuesta de proyectos

Paco Rosso El Puerto de Santa María, a 1 de marzo de 2012

Fecha actual:01/03/12 Fecha revisión: 06/04/14

 

# Un proyecto integrado consta de tres partes:

  1. Proyecto

  2. Producto

  3. Conclusiones

 

# La parte proyecto es un documento que consta de las siguientes partes:

  1. Memoria académica

  2. Memoria del proyecto supuesto

  3. Justificaciones

  4. Presupuesto

  5. Pliego de condiciones

 

# La memoria académica es un documento de 200 a 1000 palabras en el que se exponen el objetivo y razones del proyecto integrado: datos del alumno, del tutor de proyecto y ciclo. Objetivos a cumplir y tipo de proyecto integrado a realizar a realizar.

# La memoria es un documento de 200 a 1000 palabras en el que se expone la memoria del proyecto del supuesto. Concretamente constará de una identificación del alumno sin hacer referencia a su condición de tal y una declaración de objetivos a cumplir en el supuesto.

# Las justificaciones consiste en un documento en el que se justifiquen todas las decisiones técnicas y estilisticas adoptadas durante al realización tanto del proyecto como del producto. En especial todos los cálculos de dimensionamiento y costes que sean necesarios así como todas las referencias legales que deban citarse.

# El presupuesto consiste en una estimación del coste real de sacar adelante el producto propuesto.

# El pliego de condiciones es un listado de las condiciones de realización y aceptación del producto así como de los servicios que se requieran para su elaboración. Los redacta el alumno con la supervisión y guía del docente.

 

# El producto. El objetivo que se plantea con este proyecto integrado es dotar a los alumnos de un porfolio de trabajos que puedan presentar a posibles clientes en un futuro inmediato. La propuesta, por tanto, consiste en que desarrollar un producto del área de especialización en la que el estudiante prefiriera desenvolver su vida laboral. El producto puede ser tanto una pieza de alguno de los posibles productos del ciclo estudiado como el desarrollo de un servicio relacionado con los estudios.

# Para cada producto concreto que se proponga definimos una serie de apartados a cubrir de manera que dados dos proyectos diferentes cualesquiera, la carga de trabajo sea similar.

 

# Las conclusiones suponen la fase de cierre de un proyecto y consisten en un documento en el que se recojerán:

  1. El grado de cumplimiento de los objetivos expuestos en la memoria del supuesto.
  2. El grado de satisfacción de los objetivos.
  3. Un análisis de las posibles desviaciones.
  4. Una propuesta de mejora para cumplir con los objetivos en caso de que hubiea que desarrollar el mismo producto.

 

Propuesta de proyectos de fotografía

Apartados y códigos de apartados:

  • P1 Briefing
  • P2 Inspiraciones
  • P3 Localizaciones
  • P4 Casting
  • P5 Fitting
  • P6 Shooting
  • P7 Postpro
  • P8 Edición
  • P9 Permisos
  • P10 Diario
  • P11 Plan de trabajo, calendario
  • P12 Plan de trabajo, grafo
  • P13 Justificacion iconográfica-estilistica
  • P14 Artículo
  • P15 Crítica de contrato
  • P16 Fotopress
  • P17 Pruebas de imprenta
  • P18 Soleamiento
  • P19 Plano de ubicación

 

PROYECTO F1: Editorial-advertorial catálogo de moda o beauty

Objetivo: Realizar una editorial de moda o beauty para una supuesta publicación en papel consistente en de 5 a 15 páginas.

Cada look solo puede aparecer una vez en el editorial.

Las fotos verticales ocuparán una página y las horizontales dos.

La realización seguirá lo dicho en los apuntes de clase.

 

Producto a entregar:

  • -Todas las fotos realizadas en jpg, sRGB a 1200pixels de lado largo.
  • -Dos o tres fotos a tamaño completo de cada look como propuesta con encuadre y tratamiento definitivo en formato tiff 8 bits acoplados en espacio de color EciRGB y con colores controlados para impresión en Eci coated.
  • -Una copia en psd de cada foto propuesta sin acoplar y con todas las capas.
  • -Una copia en papel con un lado largo de 25 a 32cm de cada una de las fotos finalmente elegidas para su publicación.

 

Documentación anexa obligatoria

  1. Briefing.
  2. Plan de trabajo: calendario y grafo.
  3. Inspiraciones.
  4. Localizaciones.
  5. Casting.
  6. Fitting.
  7. Shooting.
  8. Postpro.
  9. Permisos.
  10. Justificación iconográfica y estilística
  11. Diario.

 

PROYECTO F2: Retrato editorial

Objetivo: Realizar una serie de 5 retratos de un personaje para un artículo en una revista.

El tratamiento del retrato es totalmente libre.

 

Producto a entregar:

  • -Todas las fotos realizadas en jpg, sRGB a 1200pixels de lado largo.
  • -Diez fotos a tamaño completo de cada retrato como propuesta con encuadre y tratamiento definitivo en formato tiff 8 bits acoplados en espacio de color EciRGB y con colores controlados para impresión en Eci coated.
  • -Una copia en .psd de cada foto propuesta sin acoplar y con todas las capas.
  • -Una copia en papel con un lado largo de 25 a 32cm de cada una de las 5 fotos finalmente elegidas para su publicación.

 

Documentación anexa obligatoria

  1. Briefing.
  2. Plan de trabajo: calendario y grafo.
  3. Inspiraciones.
  4. Localizaciones.
  5. Shooting.
  6. Postpro.
  7. Permisos.
  8. Diario.
  9. Justificación iconográfica y estilística
  10. Artículo explicativo del personaje (no al que acompañan las fotos).

 

 

PROYECTO F3: Ilustraciones para un libro, un cuento o un poema

Objetivo: Realizar las ilustraciones fotográficas para un libro, un cuento o un poema.

Realizar una portada conceptual más de cuatro a ocho ilustraciones, tanto descriptivas como conceptuales de pasajes significativos de la obra.

La realización seguirá lo dicho en los apuntes de clase.

 

Producto a entregar:

  • -Todas las fotos realizadas en jpg, sRGB a 1200pixels de lado largo.
  • -Dos o tres fotos a tamaño completo de cada ilustración como propuesta con encuadre y tratamiento definitivo en formato tiff 8 bits acoplados en espacio de color EciRGB y con colores controlados para impresión en Eci coated.
  • -Una copia en .psd de cada foto propuesta sin acoplar y con todas las capas.
  • -Una copia en papel con un lado largo de 25 a 32cm de cada una de las fotos finalmente elegidas para su publicación.

 

Documentación anexa obligatoria

  1. Briefing.
  2. Plan de trabajo: calendario y grafo.
  3. Inspiraciones.
  4. Localizaciones.
  5. Casting.
  6. Fitting.
  7. Shooting.
  8. Postpro.
  9. Permisos.
  10. Justificación iconográfica y estilística
  11. Diario.

 

PROYECTO F4: Reportaje de seguimiento

Objetivo: Realizar un reportaje en el que se realice el seguimiento de un servicio o la creación de un producto. Ejemplos: un día en un lugar, fabricación de un producto, seguimiento del día de una persona, presentación de los servicios de una entidad.

El reportaje se supone que está destinado a su publicación (7 fotos), realizar una exposición (de 20 a 50 fotos) o un libro.

El estilo y el tratamiento gráfico es libre aunque recomendamos definir, durante la edición, no la realización, un estilo unitario que de coherencia al trabajo. Las palabras claves son: Escuela de Düsseldorf, momento decisivo, momento intesticial, reportaje humanista, fotografía neoobjetivista, subjektive fotografie, fotografía cubista, fotografía futurista, fotografía pictorialista.

 

Producto a entregar:

  • -Todas las fotos realizadas en jpg, sRGB a 1200pixels de lado largo.
  • -De doce a veinte a tamaño completo de cada look como propuesta con encuadre y tratamiento definitivo en formato tiff 8 bits acoplados en espacio de color EciRGB y con colores controlados para impresión en Eci coated.
  • -Una copia en .psd de cada foto propuesta sin acoplar y con todas las capas.
  • -Una copia en papel a 10×15 de cada una de las fotos finales

 

Documentación anexa obligatoria

  1. Briefing.
  2. Plan de trabajo: calendario y grafo.
  3. Inspiraciones.
  4. Casting.
  5. Shooting.
  6. Postpro.
  7. Permisos.
  8. Justificación iconográfica y estilística
  9. Artículo explicativo
  10. Diario.

 

PROYECTO F5: Reportaje arquitectónico o de obra arquitectónica

Objetivo: Realizar el reportaje completo de un edificio, tanto interior como exterior.

Realizar el reportaje según lo indicado en los apuntes de clase:

  1. Ubicación, aproximación y acceso.
  2. Descripción exterior.
  3. Recorrido interior.
  4. Ilustración interior. Lugares más representativos.
  5. Ilustración exterior. Fachadas más representativas.
  6. Detalles arquitectónicos.
  7. Estudio de soleamiento.

En el caso de elegir el reportaje de obra arquitectónica nos centraremos en la localización y fotografía de las obras que correspondan a un autor o a un periodo. En este caso las imágenes serán:

  1. Ubicación.
  2. Fachadas más representativas.
  3. Detalles.

 

Producto a entregar:

  • -Todas las fotos realizadas en jpg, sRGB a 1200pixels de lado largo.
  • -Un fichero de cada una de las fotos finales elegidas, a tamaño completo con colores controlados AdobeRGB. En tiff a 8 bits con capas acopladas.
  • -En el caso de realizar panorámicas o HDR, añadir las fotos de partida en jpg de 1200 pixels a la carpeta del tiff.
  • -Al menos 5 copias que recojan imágenes de los apartados 4, 5 y 6 del listado de fotografías a tomar.

 

Documentación anexa obligatoria

  1. Briefing.
  2. Plan de trabajo: calendario y grafo.
  3. Inspiraciones.
  4. Soleamiento.
  5. Casting.
  6. Fitting.
  7. Shooting.
  8. Postpro.
  9. Permisos.
  10. Justificación iconográfica y estilística
  11. Diario

En el caso del reportaje de obra añadimos la localización sobre plano de todas las obras fotografiadas.

 

PROYECTO F6: Stock lifestyle

Objetivo: Realizar al menos 30 fotos para stock de la categoría lifestyle.

 

Producto a entregar:

  • -Todas las fotos realizadas en jpg, sRGB a 1200pixels de lado largo.
  • -Un fichero de cada una de las fotos finales elegidas, a tamaño completo con colores controlados AdobeRGB. En tiff a 8 bits con capas acopladas.
  • -Al menos 6 copias que recojan imágenes significativas del paquete propuesto.
  • -Todas las fotos con ITPC adecuados según recomendaciones de agefotostock.

 

Documentación anexa obligatoria

  1. Briefing.
  2. Plan de trabajo: calendario y grafo.
  3. Inspiraciones.
  4. Localizaciones.
  5. Casting.
  6. Fitting.
  7. Shooting.
  8. Postpro.
  9. Permisos.
  10. Justificación iconográfica y estilística
  11. Diario.

 

 

PROYECTO F7: Promoción turística

Objetivo: Realizar al menos 30 fotos para stock destinadas a postales o guía turística

 

Producto a entregar:

  • -Todas las fotos realizadas en jpg, sRGB a 1200pixels de lado largo. Con IPTC completos adecuados según recomendaciones de agefotostock.
  • -Un fichero de cada una de las fotos finales elegidas, a tamaño completo con colores controlados Eci Coated. En tiff a 8 bits con capas acopladas.
  • -Al menos 12 copias en 10x15cm.

 

Documentación anexa obligatoria

  1. Briefing.
  2. Plan de trabajo: calendario y grafo.
  3. Inspiraciones.
  4. Shooting.
  5. Postpro.
  6. Justificación iconográfica y estilística
  7. Plano de ubicación
  8. Artículo.
  9. Diario.

 

PROYECTO F8: Ciudad literaria

Objetivo: Fotografiar los rincones literarios de una ciudad.

Buscar en la literatura referencias a la ciudad del trabajo y fotografiar al menos 15 rincones citados.

 

Producto a entregar:

  • -Todas las fotos realizadas en jpg, sRGB a 1200pixels de lado largo. Con IPTC completos adecuados según recomendaciones de agefotostock.
  • -Un fichero de cada una de las fotos finales elegidas, a tamaño completo con colores controlados Eci Coated. En tiff a 8 bits con capas acopladas.
  • -Al menos 10 copias en 10x15cm.

 

Documentación anexa obligatoria

  1. Briefing.
  2. Plan de trabajo: calendario y grafo.
  3. Inspiraciones.
  4. Shooting.
  5. Postpro.
  6. Justificación iconográfica y estilística
  7. Plano de ubicación
  8. Artículo con la lista de lugares y las citas.
  9. Diario.

 

PROYECTO iL1: Dirección de fotografía

Objetivo: A partir de un guión cinematográfico original realizar la planificación del rodaje de las escenas que se pidan en un decorado concreto.

 

Producto a entregar:

  1. Dimensionamiento eléctrico y luminoso.
  2. Plantas de iluminación.
  3. Plan de rodaje de las escenas pedidas, incluyendo plantas de cámara.
  4. Desgloses de iluminación y cámara.
  5. Presupuesto
  6. Listado de material a alquilar con precios.
  7. Localizaciones.
  8. Permisos.
  9. Cuaderno de inspiraciones.
  10. Justificación estilística.
  11. Fotografía de la simulación de cada escena.

Es necesario justificar la elección de los focos, la película y la óptica a emplear.

 

PROYECTO iL2: Iluminación de una obra teatral.

Objetivo: A partir del texto de una obra teatral, planificar la iluminación de un acto.

 

Producto a entregar:

  1. Planta de luces
  2. Diseño de cada escena
  3. Hoja mágica.
  4. Hoja de enfoques.
  5. Hoja de movimientos.
  6. Programación DMX.
  7. Inspiraciones.
  8. Justificación estilística.
  9. Presupuesto.
  10. Listado de mínimos para una gira.
  11. Una hoja negra por cada cambio de luz.

 

 

 

 

Written by pacorosso

6 abril, 2014 at 12:05

Publicado en Sin categoría

Tagged with , , ,

Tres aproximaciones a la fotografía

leave a comment »

Tres aproximaciones

(c) Paco Rosso, 2013

Fecha actual:04/04/13 Fecha revisión: 28/02/14

 

Hay tres cosas que iluminar para fotografiar: cosas, sitios y gente.

La de sitios se ilumina para fotografiar el lugar ya sea como protagonista, como entorno para las cosas y la gente o como fuente de iluminación de entorno.

 

Hay que plantear en la iluminación de sitios tres posibilidades: el espacio área, el espacio como fondo y los espacios concatenados. Además de estas concepciones del espacio como motivos, ya sea principal o coadyuvante, hay que considerar también la del espacio como fuente de iluminación de entorno.

 

El espacio como área es el espacio plano del suelo, que podemos ver como línea o como superficie extensa y es una concepción que normalmente utilizamos por como referente para la ubicación de las figuras.

 

El espacio como fondo aparece tanto con el protagonismo propio del paramento vertical arquitectónico como con en el uso coadyuvante del fondo que cirunscribe a la figura.

 

Los espacios concatenados aparecen por el ensamblaje de las cajas arquitectónicas, las que la sala del primer término se abre a otras estancias y exteriores que se hacen visibles a través de las puertas, ventanas y pasillo que deben iluminarse de forma adecuada a la intención creativa del fotógrafo.

 

La iluminación del espacio concibe por tanto tres usos: el protagonista y el referencial, de los cuales el primero el espacio es protagonista, en el segundo es contexto geométrico para la figura. El tercer uso es como fuente de luz.

 

En la primera concepción hay tres planteamientos posibles para crear la iluminación: como ambiente, como refuerzo y como potencia.

 

La iluminación de potencia parte del espacio oscuro al que añadimos nuestros focos. La iluminación ambiente usa de la luz que le es propia al lugar sin distinción de que esta sea natural o artificial. Dado que la luz arquitectónica no está diseñada a partir de criterios fotográficos, para permitir la correcta interpretación del diseño de la iluminación en la fotografía del lugar para acercar los parámetros luminosos del ambiente a las exigencias de interpretación por parte del ojo a través de la fotografía, disponemos de la tercera manera de plantear la iluminación, consistente es reforzar la luz ambiente. En la iluminación de refuerzo partimos de la luz ambiente para modificar sus características de manera que podamos fotografiarla adecuadamente sin desvirtuar su esencia.

 

La iluminación de cosas se refiere a la manera de iluminar objetos.

Un objeto, una figura, posee dos características esenciales que son la forma que tiene y la materia de la que está hecha.

Un objeto tiene exactamente seis cualidades visuales. Seis variables visuales que lo describen completamente. Y no son ni cinco, ni siete, ni catorce, sino exactamente seis.

De estas, dos son capitales y dan lugar a las otras cuatro. Las variables visuales de la figura son dos, brillo y transparencia. Y las cuatro variables derivadas son dibujo, volumen, textura y color.

El brillo se refiere a la capacidad de la figura para reflejar la luz que le llega. La transparencia es la capacidad de dejarse atravesar por la luz. Ambas hablan de la forma y la materia de la figura.

 

El dibujo de las formas es el trazado de las líneas que la hacen visibles, su perfil, su estructura. Nos habla de la forma.

El volumen es la sensación de espacio ocupado y de curvatura de la superficie. Nos habla de la forma y en menor medida de la materia.

La textura son las cualidades táctiles de la superficie y supone un préstamo que hace el sentido del tacto a la vista. Habla de la materia.

El color es el brillo tonal de la figura y habla de la materia y en menor medida de su forma.

Para cada una de estas seis variables existe al menos una técnica que la resalta y otra que la esconde.

 

La iluminación de gente tiene tiene dos géneros principales, que son el retrato y el reportaje.

El retrato es la representación de una persona en tanto identidad individual, la fotografía por tanto de una persona con su nombre y no la de un desconocido. Esto no significa que la persona haya de ser famosa o importante, como era requisito en el pasado. El retrato es elogio del individuo y por tanto debe ser identificable sin importar por quien pueda serlo. Un retrato es alguien, pero no cualquiera, en cuyo caso sería genero y no retrato.

 

El reportaje es la fotografía de una situación en la que alguien hace o le pasa algo. El reportaje se centra en lo que pasa en el sitio, no en el sitio en sí ni en la identidad de la persona. Por reportaje también entendemos la obra fotográfica constituida por un número de fotografía con una unidad temática. Pero en tanto que personas, vamos a hablar de reportaje como la fotografía que cosas que le pasan.

Además del retrato y el reportaje, la categoría «gente» aparecerá en otros géneros, como la moda («gente vestida»), la fotografía de producto con modelo («gente enseñando algo»), el desnudo («gente sin ropa»), el lifestyle («gente feliz haciendo cosas»), el simulcro («gente interpretando un papel»), etc.

 

En la iluminación de gente atendemos al género principal (retrato, moda, publicidad, etc) y disponemos de técnicas y paradigmas propios para trabajar la figura de manera que potenciemos sus cualidades mientras escondemos sus defectos, o viceversa, o escribamos mediante la luz nuestra obra fotográfica.

 

Paco Rosso, 4 de abril de 2013.

 

Written by pacorosso

28 febrero, 2014 at 12:52

Publicado en Sin categoría

Tagged with , ,

El desastre del nuevo ciclo de imagen de formación profesional

leave a comment »

¿Pero quienes han sido los genios que han hecho el ciclo nuevo de imagen?
La práctica de fotografía se reduce de 5 trimestres a solo 2 y ademas en segundo curso.

¿Donde pretendeis que se enseñen los principios básicos: optica, perspectiva, diafragma, profundidad de campo, encuadre, obturación? ¿En SEGUNDO CURSO? ¿O ¿¿¿En vídeo??? ?

Estais majaras tíos, estais majaras.

A ver si los que enseñamos fotografía nos unimos y exigimos un ciclo de técnico en fotografía.

Si hay un ciclo de «artista fallero» ¿Por qué no puede haber uno de «fotógrafo»? ¿Hay más posibilidades de trabajar de «artista fallero» en España y el extranjero que de fotógrafo?

Written by pacorosso

5 febrero, 2014 at 19:48

Catalina con vestido de Balbina Arias

leave a comment »

Catalina con vestido de Balbina Arias

Catalina despidiendose, con un vestido de Balbina Arias.

Written by pacorosso

21 diciembre, 2013 at 21:57

Vocabulario de la luz

leave a comment »

Vocabulario de la luz

 

De la luz 10 palabras

  1. Energía luminosa

  2. Intensidad

  3. Iluminación

  4. Brillo

  5. Reflexión

  6. Refracción

  7. Polarización

  8. Dispersión

  9. Dureza

  10. Color

 

Del foco 7 palabras

  1. Intensidad

  2. Caída

  3. Cobertura

  4. Dureza

  5. Envoltura

  6. Color

  7. Brillo

 

Del tono 8 palabras

  1. Tono propio

  2. Tono aclarado

  3. Tono oscurecido

  4. Tono especular

  5. Tono ambiente

  6. Gama tonal

  7. Creación del tono

  8. Exposición

 

De la figura 6 palabras

  1. Dibujo

  2. Volumen

  3. Textura

  4. Color

  5. Brillo

  6. Transparencia

 

De la interacción 14 palabras

  1. Luces

  2. Sombras

  3. Medias tintas

  4. Reverberación

  5. Brillo

  6. Sombra propia

  7. Penumbra

  8. Caustica

  9. Dureza

  10. Contraste

  11. Modelado

  12. Faceta

  13. Canto

  14. Color

 

De la escena 5 palabras

  1. Intensidad

  2. Dirección

  3. Dureza

  4. Distribución

  5. Color

 

Written by pacorosso

9 diciembre, 2013 at 12:40

Oriol Maspons STTL

leave a comment »

Hoy hemos perdido a Oriol Maspons

Lo conocí hace tres años, durante los encuentros de Sevilla Foto.
Durante un descanso de las charlas, mientras toda la concurrencia salía de la sala, Maspons y Eduardo Momeñe se quedaron charlando.

http://inlucemimage.wordpress.com/page/3/#jp-carousel-58

Written by pacorosso

12 agosto, 2013 at 22:03

Alba

leave a comment »

Alba

Alba, perfil trasero de la venus, El Puerto de Santa María, primavera 2013

Written by pacorosso

12 agosto, 2013 at 16:20

Que hay que aprender para saber iluminar

with 2 comments

Mira, mucha gente cree que iluminar (y enseñar iluminación) es:
-Luz principal-luz de relleno-contra.
-Luz dura-luz suave.
-Ley de inversa del cuadrado de las distancias (por darse el pegote, no por entender lo que es)
-Temperatura de color.

Y que con eso se agota el conocimiento de lo que es iluminar.
Y no es así.

Y lo que sucede es que cuando estás en la orilla, miras el horizonte y lo ves ahí, y crees que está ahí.
Y coges tu barca para llegar al horizonte, y el horizonte se retira. Y sigues detrás suya y no llegas.
Y entonces miras hacia tierra, y ya no ves la orilla. Y sabes que no estás donde antes creías saber donde estaba el horizonte, porque éste se ha ido a lo lejos otra vez.

Pero aprender a iluminar no es nada complicado. Consiste en diferenciar cuatro cosas: 1Que puedes esperar de un foco 2 Que puedes esperar visualmente de un objeto 3 Que pasa cuando el foco ilumina la figura 4 Como puedes controlar la luz.

Esto es iluminar, no fotografiar, para eso 5 Como traduces los tonos de la escena los de tu fotografia

Para iluminar olvida los esquemas y piensa en las luces sobre la figura. El esquema es el resultado de poner los focos donde hacen falta para conseguir que las luce, las sombras, los brillos y los sombreados estén donde tu quieres que estén. Vas de la figura al foco, no al revés, que es lo que haces cuando partes de un esquema.

Para evitarte andar con prueba y error tienes que razonar sobre principios.
Para ir a tiro hecho y hacer cambios minimo lo que tienes es que aprender qué efectos produce un foco sobre una figura, despues dos focos sobre una figura y que pasa cuando acercas dos figuras (lo que te vale para una figura y un fondo).
Y en lo que te tienes que fijar es: que el foco produce luces (tonos claros) y sombras (tonos oscuros) que dependen del tamaño del foco y que de la distancia depende la diferencia entre lo oscuro de las sombras y lo claro de las luces, que se llama contraste.
Que entre luces y sombras hay medias tintas cuyo tamaño depende del de la boca del foco y lo lejos que lo pongas.
Que además de estos tres tonos hay otros dos que es el brillo reflejo (el reflejo del propio foco sobre la superficie de la figura) y la reverberación, que es el aclaramiento de las sombras debido a la luz que reverbera en el resto de la escena.
Además de estas cinco luces sobre la figura, el foco crea cuatro luces sobre el fondo que son la sombra, la penumbra de la sombra, la caustica -que es el ramalazo de luz que se produce cuando la figura es transparente- y la luz del fondo libre sobre el que cae el foco.

Entonces aprendes cuales son las características de un foco, que son seis, como de lejos llega su luz (penetración), como es la mancha de luz que produce (la cobertura), como es su dureza (que lo notas en el perfil de la sombra y puede ser dura puntual, dura distante, suave, difusa y difractada. Y que depende de si los rayos de luz salen del foco cruzandose, paralelamente o con divergencia). Como es su envoltura, que es la relación que hay entre la luz que emite directamente el foco y la que es capaz de producir lateralmente, ya sea porque sale del mismo foco o porque reverbera en el ambiente. Como es el brillo propio y el brillo que arroja, que aparece como un velo translucido sobre la figura y que deja ver más o menos su superficie a través del velo de brillo. Y por último como es el color de la luz; si es luz coloreada, si reproduce bien todos los colores o como es la calidad del blanco.

Además, hay que aprender como la posición relativa de foco, cámara y figura divide el espacio en tres regiones de manera que cuando colocas en una de ellas el foco la luz rebota arrancando un tono blanco que mata el tono propio y que se llama región de brillo especular. Que cuando colocas el foco en la segunda región su luz no rebota sino que salpica y arranca brillo tonal, que es el que contiene el tono y el color de la figura y por último que cuando colocas el foco en la tercera región tienes brillo de transparencia, que solo aparece cuando la figura se deja atravesar por la luz.

Cuando comprendas estos elementos, entonces podrás analizar una imagen y decidir cuales son los efectos que contiene y por tanto sabrás qué, como y donde poner de focos para obtenerlos.

Y entonces, solo tendrás que retocar la posición para dejar la imagen totalmente como querías, en vez de andar poniendo y viendo que pasa.

Written by pacorosso

18 julio, 2013 at 22:34