Ideas para organizar un curso de fotografía de acción

Esto viene del plan del curso de la UCA pero solo listo las actividades, para repordenarlas según sea necesario. Dejo el plan en otro documento que no se debería tocar. Aquí voy a quitar los días y dejas solo las clases: contexto, técnica y creativa.

Esquema resumen general.

1. Primero, del espacio necesario para el movimiento. A lo ancho.
2. Segundo, a que distancia ponemos la cámara. Por perspectiva de figura y fondo y para dar espacio de movimiento en profundidad a la bailarina.
3. Tercero, qué diafragma utilizamos. Por tres criterios: para exponer, para situar el punto de trabajo del objetivo y para establecer el enfoque selectivo.
4. Cuarto, elegimos la velocidad de obturación de acuerdo a dos criterios y dos condicionantes. Los criterios son la exposición y la expresión del movimiento, que no tiene por qué ser «para parar la figura». Los condicionantes son la trepidación y la compatibilidad con el flash.
5. Quinto, sobre cómo elegir el modo de enfoque, si manual fijado a un punto, si dinámico, con seguimiento de la figura o siguiéndola en la pantalla con el dedo.
6. Sexto, sobre cómo elegir el objetivo, cuyos criterios son recortar el encuadre y tener en cuenta el paneo al desplazarse la figura lateralmente.
7. Séptimo, de la altura y la angulación que dar a la cámara, para establecer la perspectiva con el fondo y las proporciones de la figura.
8. Octavo, sobre cuando disparar. Que si justo en el momento, prever el momento, dejarse llevar por el azar o falsear la escena.
9. Noveno, sobre como crear la luz. La fotografía de danza en estudio.
10. Décimo, sobre como buscar la luz. La fotografía de danza en localización.
11. Undécimo, hablar con la bailarina. Cómo indicar una dirección, las posiciones básicas, cómo colocar y no colocar el cuerpo.
12. Duodécimo, reportaje posado y bailado. Figuras de danza.

Luz de ventana, 2. La caja negra.

El estudio negro es una habitación muy grande o bien pintada de negro. En ambos casos la luz que entra por la ventana no rellena las sombras porque la cantidad que reverbera es demasiado pequeña para apreciarla. Es la habitación de Leonardo Da Vinci, la de los pintores flamencos, según me contaba Frank Horvat cuando estuvimos escribiendonos. En ella tenemos todo el control sobre la luz, solo hay la que nosotros coloquemos. La figura parece surgir de las tinieblas, y piensa en todos los símbolos que puedas interpretar con eso.
La luz aquí es suave, de cielo, luz de norte (cuando estamos en el hemisferio norte), la luz preferida por los pintores, pero no porque tenga ninguna belleza especial, sino porque al no entrar el sol por una ventana que mira al norte, las sombras no cambian y el pintor puede echar varias horas e incluso días, para acabar su trabajo sin que el modelado de la figura cambie con el movimiento de las sombras.

Luz de ventana, 1. La caja de luz.

La caja de luz es una habitación pintada de blanco. La luz de la ventana, situada a un lado, reverbera en las paredes y rellena las sombras de la persona que se posa junto a ella.

Tres fotos de Sara con tres direcciones del rostro.La ventana está en el lado derecho de la imagen, su luz es en bandera, adelantada sobre la posición de la figura.

Panorámica de Cádiz

Desde la terraza del Parador Atlántico.

De la adquisición del propio lenguaje visual

(c) Paco Rosso, 2011 Original:26/10/11 Copia:08/05/22

Esta es una versión abreviada de la propuesta para crear el propio estilo. La propuesta completa consta de veinte aspectos a trabajar.

Decide tu estilo, habla tu lenguaje. Para crear tu propio lenguaje decide de entre los siguiente elementos cuales usarás en tus fotos y no dejes de emplearlos:

Listado de las coordenadas creativas para la fotografía de moda y publicidad

1. Escritura: Denotativa / Connotativa.
2. Figura aislada / Figura arropada.
3. Objeto formal: Nuevo-pulido / Viejo-mate.
4. Objeto semántico: Sugerencia / Juego de palabras.
5. Escenificación: Literal (estilizado-realista)/Sueño fotogenico (ensueño-pesadilla) / Burlesca.
6. Escenografía: Minimal / Horror vacui.
7. Espacio luminoso: Frontal-plana / Por términos de profundidad / Claroscuro lateral / Claroscuro frontal.
8. Composición de color: Colores vivos / Colores apagados.
9. Iluminación: Simple / Complicada.
10. Luz: Dura / Suave.
11. Clave: Contraste duro / Contraste suave.
12. Espacio: Encontrado (interior-exterior) / Construido / Desnudo.
13. Perspectiva: Tele / Angular.
14. Actitud de la modelo: Cercana / Distante.
15. Dirección modelo: Estática / Dinámica
16. Acting: Natural / Interpretada / Estilizada.
17. Mirada: Pictorialista / Constructivista / Surrealista / Abstracta / Reportera.
18. Tratamiento: Natural / Agresivo.
19. La imagen del verbo.
20. Narrativa grafica.

De la adquisición del propio lenguaje para la fotografía de moda

# Cuando vayas a fotografiar un producto piensa en el espacio en que lo pondrás, en si habrá o no otras figuras, si habrá o no una persona.

Piensa si quieres que la foto hable solo del producto o de la sensación.

Si hay un espacio ¿Como es? ¿Como encaja el producto en el? ¿Esta encerrado o tiene sitio para respirar? ¿Es agresivo, amistoso o neutro? ¿Es el espacio para vivir, para trabajar, para jugar, donde aventurarse? ¿Es cálido y acogedor, frió y alineante o por el contrario tan solo un lugar de paso? ¿Habla de la casa, del foro o del desierto?

# Si hay objetos ¿Como se relaciona el producto con ellos? ¿Lo arropan o lo critican? ¿Suman significado o lo realzan por contraste? ¿Hablan de los ideales que quieres representar con el producto o son solo mancas de luz estructurales? Cuando elijas los objetos que arropan o contrastan tienes que tener en cuenta dos aspectos: el primero es si añaden significado bien por contraste o por potenciancion; el otro es que siempre jugamos con asociaciones de ideas. Para encontrar los objetos adecuados pregunta con el concepto que quieres escribir y apunta la primera palabra que te digan. Veras que tienes dos vías de dar sentido al objeto coadyuvante, por sugerencia y por juego e palabras. Lo pulido, lo brillante, lo nuevo es símbolo de modernidad, de progreso, de higiene; pero también de mal gusto, hortera y kitsch. La limpieza es el lujo del pobre. Lo gastado, mate, usado es signo de calidad, de abolengo, de tradición, de supervivencia, la superación de lo cotidiano, remite a la pervivencia de la memoria, al triunfo contra el paso del tiempo. Pero también es lo sucio, lo enfermizo, lo gastado.

Usa los objetos para hablar de los valores asociados a tener el producto que anuncias.

# ¿Hay personas en tu foto? ¿La persona viste el producto? ¿Lo usa? ¿Se muestra feliz? ¿Quien es la persona, un famoso que aparece con su nombre, como avalando el producto? ¿La persona es una modelo que interpreta a un personaje ficticio que se mantiene a lo largo de la campaña publicitaria? ¿La persona es totalmente anónima y representa a un vecino cualquiera o por el contrario es anónima pero de una belleza arrebatadora? ¿Cual es la actitud de esa persona? ¿Posa como una estatua o interacciona con el producto? En el fondo un anuncio es un cuento fantástico del que solo fotografías el final, cuando el héroe (tu) encuentras el objeto mágico ( lo que anuncias) y alcanza la felicidad al emplearlo. Mira que de las tres partes del cuento: el orden roto, el héroe que encuentra el objeto mágico, el orden restaurado, solo fotografías el ultimo acto.

# ¿Como haces que la persona actúe? ¿La modelo vive una situación cotidiana y plausible, un sueño o una burla? Si elegiste fotografiar un sueño ¿Hiciste de el un ensueño o una pesadilla? ¿Cual es tu actitud al dirigir la escena? ¿La haces posar rígidamente dentro de una composición previamente dibujada (aunque sea en tu cabeza) o la dejas moverse a su antojo? ¿Disparas tras meditar mucho el tiro, como si usaras placas al estilo de Vallhonrat o eres de gatillo fácil?

# Para que tu producto no se pierda, para quien ve tu foto va el producto ¿Como llevas la atención hacia el? ¿Lo destacas con la luz, con el enfoque, con el encuadre? ¿O creas caminos visuales que muevan la mirada hacia el producto?
Y como es tu mirada ¿De angular o de tele? ¿Pones angulares y te acercas para acusar la perspectiva alejando visualmente el fondo de la figura? ¿O pones teles y te vas lejos, para pegarlos?

# ¿Y tus luces? ¿Como son tus luces? ¿Duras de sombras marcadas o suaves, de sombras insinuadas?

¿Y como son tus colores? ¿Rabiosos o callados? ¿Intensos sobre fondos y figuras de tonos apagados o un griterío de tonos brillantes?

# Piensa en tu contraste ¿Quieres tonos de brillos semejantes o usaras las gamas completas del negro total de la tinta al blanco del papel?

# ¿Como modelaras las caras? ¿Pones luces frontales sobre ellas, o prefieres dibujarlas a tres cuartos?

¿Y donde tiras? ¿Buscas el espacio, al exterior, con luces que apoyen la luz natural? ¿O prefieres encontrar un interior? ¿O quizá te gusta construir en el estudio el sitio que imaginar? ¿Un estudio con un fondo neutro y jugar con tu modelo, la luz, las sombras y la ropa? ¿Y esa luz, como la concibes? ¿Como un complicado juego de sombras y manchas de color? ¿O como una base para ver y un modelado para mirar?

Principales rasgos a trabajar

De los veinte rasgos anteriores, los principales en los que te puedes centrar son estos diez:

-Luz dura / suave.

-Luz lateral / frontal.

-Estilo de imagen pictorialista / constructivista / reportaje.

-Colores vivos / apagados.

-Gama mayor / gama menor.

-Ambientación (Interior / localización / exterior / estudio vacío / decorado).

-Perspectiva (Tele / angular).

-Luz naturalista / simple / artificiosa.

-Actitud estática / dinámica.

-Actitud espontánea / posada.

# Luz dura / suave. El estilo de iluminación por dureza se construye a partir de los cuatro tipos de luces: dura, suave, difusa y difractada. La luz dura consiste en una iluminación que proporciona sombras de dibujo nítido, suele ir acompañado de una gama tonal amplia, lo que más abajo llamaremos gama mayor que indica un contraste alto. Para conseguir luz dura usamos focos de pequeño tamaño o bien de gran tamaño colocados lejos. Por tanto usaremos reflectores rígidos o focos extensos pero de luz elíptica o cilíndrica. La luz suave arroja sombras cuyo perfil se desdibuja. Se hacen con focos extensos colocados cerca de la figura. También se pueden usar focos rígidos tras telas o visillos. La luz difusa se hace rodeando la figura de luz, es la que proporciona el cielo abierto (sin nubes) o cubierto. Puedes conseguirla con un techo cubierto de focos o rebotando sobre él la luz. La luz difractada ofrece manchas de luz sobre la figura y sombras desdibujadas mediante halos en vez de degradados.

# Luz lateral / frontal. Son dos estilos que se trabajan con la luz principal. En el primero usamos luces alejadas -angularmente- de la cámara y en el segundo colocamos la luz principal detrás de la cámara. Las luces laterales resaltan los volúmenes y la textura, por tanto la caída de la tela, el entalle y la tela. Las luces frontales resaltan los colores y las transparencias (cuando algo refleja la luz desde atrás de la figura).

# Estilo de imagen pictorialista / constructivista / reportaje. El estilo pictorialista trabaja las calidades tonales y geométricas tratando de simular efectos pictóricos. Podemos realizarla en cámara o en el revelado. Empleamos texturizados, flous, veladuras, movimientos. Todo lo que nos permita dar cualidades del pincel a la fotografía. El flou consiste en una falta de definición que, en su versión original, se consigue con la aberración esférica del objetivo y puede simularse echando vaho sobre el objetivo o ensuciando el filtro frontal con vaselina. Otras maneras de conseguir el flou consisten en tapar el objetivo con una media o con papel transparente arrugado. Las veladuras se consiguen con manchas de luz sobre la escena o sobre la lente frontal del objetivo. El estilo pictorialista trabaja la imagen general de la escena, mientras que el estilo constructivista trabaja sobre la representación de la forma, se deleita en la figura, en su volumen, sus brillos, su textura. Por tanto tratamos de resaltar las variables visuales de la tela: color, textura, caída y entalle.

En el estilo de reportaje sacamos la moda a la calle y la trabajamos como una secuencia de vida diaria o de noticia. Trabajamos sobre la integración de la moda en el entorno, con los contrastes semánticos propios que puedan darse (rico-pobre, orden-desorden, colores vivos-colores apagados, etc).

# Colores vivos / apagados. ¿Como serán los colores de la producción, los colores que empleas en tus fotos? ¿Son colores vivos o apagados? Para hacer más vivos los colores usa película de colores saturados o configura tu cámara y revelado en colores vivos. Para apagarlos usa película para retrato o configura tu cámara para colores suaves o retrato. Hay programas de revelado raw que mantienen la configuración de la cámara, con lo que si ajustas sus parámetros de funcionamiento a tu antojo el programa de revelado los usará como base de trabajo. Los parámetros a configurar en la cámara son: viveza de los colores, saturación, equilibrio de color y nitidez. El equilibrio de color es un ajuste que hace que las pieles sean más amarillas o más rojas, no es el balance de blancos. La nitidez deberías dejarla siempre a cero, de manera que el raw entre al programa de revelado sin forzar el enfoque, ya que éste debe hacerse únicamente al enviar la foto a la impresión.

Naturalmente, además de la selección que hagas del material sensible, el efecto final depende en gran manera de los colores en escena. Especialmente del entorno de la figura. Unas prendas muy saturadas pueden apagarse con un fondo de tonos neutros o pasteles y con un material sensible de colores naturales.

# Gama mayor / gama menor. La gama mayor es cuando los colores pertenecen a familias diametralmente opuestas en el círculo de color, la gama menor, cuando pertenecen a familias adyacentes. También hay una gama tonal que depende del valor del color, esto es, de lo oscuro que sea.

Clave y gama son los dos conceptos básicos para la composición de color. La clave puede ser malta o baja. La clave alta contiene colores luminosos, la clave baja, colores preferentemente oscuros. Hay una tercera clave, la media, que contiene preferentemente colores medios. Además de la clave hay que tener en cuenta la gama. La gama puede ser mayor o menor. La gama mayor contiene tonos contrarios, de claros a oscuros en valor o de una familia a su contracolor. La gama menor contiene tonos parecidos. En color, de familias muy cercanas, en valor, tonos muy similares. Hay por tanto tres tipos de gamas menores: tonos oscuros y algo oscuros, tonos medios o tonos claros. Al unir claves con gamas tenemos seis posibilidades:

Clave alta – gama mayor: El aspecto general de la imagen es muy luminoso pero hay algunos toques de tonos oscuros. El histograma está a la mitad y la derecha pero ese extiende hasta el extremo izquierdo aunque a muy poca altura. Este tipo de imagen es el que se conoce comúnmente por clave alta.

Clave alta – gama menor: El aspecto es luminoso pero los tonos son medios y claros. No hay ninguno oscuro. Suele ser el caso de fotografías sobreexpuestas. Su histograma está en el centro-derecha, el lado izquierdo esta vacío.

Clave baja – gama mayor: La sensación general es de oscuridad, con muchos tonos oscuros, pero contiene partes con tonos muy claros. Su histograma se concentra en la mitad izquierda pero se extiende hasta la derecha. Es el tipo de imagen que normalmente se identifica con el nombre clave baja.

Clave baja – gama menor: El aspecto general es oscuro y no hay tonos blancos ni de segundas luces. El histograma es muestra casi todo el contenido en la mitad izquierda y no llega a la derecha. Su aspecto puede identificarse con una fotografía subexpuesta, por lo que hay que trabajar este tipo de imagen con cuidado.

Clave media – gama mayor: La imagen está formada casi por entero por tonos medios pero con algunos detalles muy claros y muy oscuros. Su histograma contiene una montaña central que baja hacia los extremos y puede que no pierda mucha altura. Presenta un buen contraste.

Calve media – gama menor: La imagen tiene muchos tonos medios y carece de luces y sombras. El histograma tiene casi todos los tonos en la parte central y no llega a los extremos.

# Para obtener el estilo tonal hay que centrarse en tres aspectos: los colores y tonos de las cosas que hay en la escena, la iluminación que proporcionan los focos y la iluminación de entorno que proporciona el ambiente. La clave alta, el aspecto luminoso se obtiene rodeando la figura con luz, pero el efecto es diferente si estamos en un estudio de paredes blancas o negras. Si quieres un aspecto luminoso utiliza un estudio claro. El problema de este tipo de estudio es que hay mucha luz rebotada que hace difícil controlar el nivel y el contraste. Si quieres un aspecto con más carácter, con más contraste en las formas, usa un entorno de estudio negro o gris medio, la cantidad de luz rebotada es inferior y el relleno escaso te permite controlar mejor donde cae la luz y qué contraste obtienes al final.

# En lo que concierne a la composición con color, hay seis familias de colores, rojos, naranjas, amarillos, verdes, azules y violetas. La composición normal de color consiste en tomar el color de la figura, que llamamos tónica, y colocarlo sobre un fondo cuyo color es de una familia opuesta en la rueda a la tónica. A este color del fondo le llamamos dominante. No es imprescindible que sea el color del fondo, pero si el que ocupa más extensión en la escena-imagen. Para reducir el contraste empleamos un tercer color, que llamamos, subdominante y que conviene elegirlo en alguna de las dos familias adyacentes a la del dominante. La regla para una composición equilibrada es que cuanto mayor sea la extensión del color, menor sea su saturación. Por tanto, no usar colores muy vivos en superficies grandes y mantener estos en las superficies más pequeñas. Naturalmente si en vez de querer una composición equilibrada la queremos estridente podemos usar colores vivos en superficies extensas. Por tanto: para composición equilibrada, color tónico vivo, en la figura; color dominante suave, en el fondo. Para una composición estridente: tónica viva, dominante viva. Una variación de la composición armónica consiste en elegir el color de transición en vez de de una familia vecina a la dominante, de una vecina a la tónica.

La segunda composición es la monocromática, que consiste en elegir todos los tonos de una única familia.

La tercera composición es la de gama cromática menor, en la que los colores pertenecen a dos familias cercanas.

La cuarta composición consiste en volver a la armónica, con tónica y dominante y sustituir esta dominante por las dos subdominantes posibles, es decir, colores de las dos familias adyacentes a ésta. Esta composición se llama por complementarios divididos.

En la quinta composición mantenemos los dos colores adyacentes a la dominante y empleamos no la tónica sino sus adyacentes, es decir, los complementarios de las dos subdominantes. A esta composición la llamamos de complementarios dobles.

# Ambientación (Interior / localización / exterior / estudio vacío / decorado). Estos son los cinco espacios a utilizar. El interior es un espacio en el que se construye un decorado. Todo está colocado a partir de un plan. Se diferencia de la localización en que éste es un espacio real previamente existente que adaptamos para nuestras fotos mientras que el interior puede ser perfectamente un estudio dentro del que se ha construido la escena, si bien esto no significa que tenga que ser un plató, puede tratarse perfectamente de un local vacío de uso comercial, no industrial. Una de las limitaciones de la localización está en las fuentes de energía, que suelen ser comerciales o domésticas pero no industriales, lo que nos limita la potencia a utilizar o los accesos, como el tamaño de las puertas, la posibilidad de carga y descarga o el acceso a aparcamiento así como los espacios de trabajo para recursos, como pueden ser camerinos, baños, cocina, etc.

# En localización debemos cuidar el la mezcla de luces ambiente con la de nuestros flashes y usar juiciosamente las diferentes temperaturas de color. No es obligatorio compensarlas para igualarlas, ya que podemos jugar con las distintas calidades para conseguir efectos plásticos de luz. Como regla general para compensar: podemos filtrar la luz día (sol o flashes) para adaptarla a la luz ambiente o al contrario. Para adaptar las luces usamos cinco tipos de filtros: CTO, anaranjados que convierten la luz de los flashes en luz de tungsteno. CTB, azulados, que convierten la luz de tungsteno a la luz de flash. CTS amarillentos con un efecto menor que los CTO y que simula la luz del atardecer. Plus Green, verdes, que adaptan la luz del flash a la fluorescentes instalada in situ y Minus green, rosa (magenta) que adapta la luz fluorescente a la del flash.

# En el exterior trabajamos normalmente con luz natural apoyada por focos y reflectores. Los reflectores son superficies blancas, plateadas o doradas que reflejan la luz. Las plateadas y doradas están formadas por telas metalizadas que reflejan gran cantidad de luz de forma directa, por tanto proporcionan luz dura y pueden usarse para luces principales. Por ejemplo, podemos emplear el sol directo como contra mientras el reflector toma la luz del sol y la dirige como luz principal hacia la modelo. El acabado plata proporciona una luz azulada que rellena perfectamente las sombras a pleno sol mientras que el acabado dorado proporciona un tono cálido que resulta muy aparente a medio día pero se combina adecuadamente con la luz dorada de la tarde. Los reflectores deberían colocarse altos para que arrojen su luz de manera natural ya que si los colocáramos bajos, su luz iría del suelo hacia arriba. Esto se aprecia claramente en el modelado del rostro: mientras el reflector alto ilumina los carrillos por encima, el reflector bajo ilumina el párpado superior y deja en sombras la parte alta de las mejillas y carrillos.

# Para emplear focos existen generadores portátiles que proporcionan potencia para realizar una media de cien a doscientos disparos por carga. Cuando se emplean estos generadores solemos apagar las luces de modelado y los ventiladores para que reservar su energía para los disparos. La luz de los focos puede usarse tanto como relleno para completar la luz natural como luz de potencia para proporcionar la iluminación principal. En exteriores la luz del cielo proporciona la base mientras que el sol, el reflector o nuestros focos hacen de luz principal y contra. Sobre los cálculos para reforzar la luz hablamos en otros apuntes.

Las escenas nocturnas son una historia muy diferente que emplea focos directos o ventanas. Son muy populares los reportajes realizados con flashes en cámara para simular escenas periodísticas.

# El estudio vacío es casi una religión. Modelo, fondo, ropa (mucha o poca) y luz. El estudio suele tener dos disposiciones: fondo plano o L. El estudio de fondo plano cuelga una tela, o papel, y se organiza con un punto de vista único: fondo-figura-cámara alineados. Existen pórticos portátiles que podemos montar en cualquier lugar, incluso en exterior. El fondo más pequeño estándar mide 2,7 metros de largo, aunque hay un fondo subestandar de 1,35 que no es recomendable ya que encajona demasiado a la modelo. Con el fondo plano se hacen dos grupos de luces, uno para el fondo y otro para la figura. La manera de iluminar un fondo plano de manera uniforme consiste en colocar los focos a los lados a una distancia igual a la mitad del largo del fondo. La distancia de la modelo al fondo conviene que sea al menos la misma altura de la modelo para que no arroje su sombra sobre la pared, aunque esto no es una regla y debemos usarla a nuestra discreción según el efecto que queramos conseguir. Para conseguir el estilo de fondo blanco deberíamos iluminar éste de manera que al medir su brillo nos dé al menos un paso y medio más cerrado que el diafragma que queremos emplear en cámara. Si medimos la iluminación en el fondo deberíamos tener al menos el mismo diafragma que en la figura.

# Trabajar con decorado consiste en crear un espacio arquitectónico dentro del espacio escénico. Las ventajas del decorado sobre la localización son múltiples: por un lado podemos trabajar en unas instalaciones industriales, con suficiente energía para las máquinas, con accesos adecuados para carga y descarga y aparcamiento para el equipo. Por otro lado al crear el decorado podemos manipular el espacio. Por ejemplo podemos mover las paredes del espacio simulado de manera que en vez de trabajar encerrados entre cuatro paredes montamos solo las dos o tres que han de verse y colocamos las cámaras en el lado abierto. Si es necesario cambiar de ángulo tan solo hay que quitar una pared y poner otra. Además, podemos tener varias paredes preparadas con diferente pintura, lo que nos permite «cambiar» la decoración del lugar en muy poco tiempo, mientras que en localización habría que empapelar o pintar las paredes de nuevo cada vez.

# Perspectiva (Tele / angular). La perspectiva se manifiesta por tres elementos que son: la pérdida de tamaño, la pérdida de detalle interno y la pérdida de contorno con la distancia. Si colocamos dos figuras iguales una mucho más lejos que la otra veremos que: la más cercana aparece más grande en la foto. La más cercana tiene más detalle en su interior que la lejana que aparece rellena de una manera más uniforme. Además el contorno de la figura cercana está mejor dibujado que el de la lejana, cuya imagen muestra los ángulos suavizados. Todo lo lejano tiende a ser más pequeño, más relleno y más ovalado. Estos tres efectos forman la perspectiva geométrica, además hay que añadir la perspectiva aérea que aparece por dos efectos: los tonos de la figura lejana son menos densos, menos saturados y, en caso de figuras al aire libre, sus colores se tiñen de azul.

# El efecto de la perspectiva aparece por la distancia de la cámara a la figura y no por el objetivo que utilicemos. Hay fotógrafos de tele y fotógrafos de angular. El angular obliga a trabajar cerca de la modelo, lo que hace que su figura se sobredimensione respecto del entorno, adquiriendo protagonismo. Al acercarnos a la modelo acusamos las fugas de las líneas porque vemos los extremos de la habitación que están más cerca nuestra. Además, y este es el efecto principal, al acercarnos a la figura la separamos del fondo, separamos los distintos planos en profundidad con que está creada la escena. El efecto de colocarnos lejos es exactamente el contrario, reducimos la distancia visual entre los términos en profundidad. Por ejemplo, si decimos a la modelo que avance hacia la cámara, al estar cerca veremos que cambia rápidamente de tamaño y que su altura, comparada con la altura de las figuras que estén al fondo, se hace muy diferente. Pero si estamos lejos, al avanzar la modelo veremos que casi no cambia su altura ni la relación entre ella y la de las figuras del fondo. Al estar cerca de la modelo, el espacio entre los términos de profundidad es suelto, al estar lejos, el espacio está comprimido.

Recuerda siempre que el efecto lo produce el que la cámara esté cerca o lejos, no que uses un objetivo angular o uno largo. Elegir una forma de trabajar crea parte de tu estilo, de tu lenguaje.

# Además de la distancia a la figura creas tu estilo con la altura de tu cámara: hay tres alturas, alta, normal y baja. La cámara normal, situada a la altura de los ojos de la modelo da una imagen cotidiana y común, que es de lo que tratamos de huir. La cámara baja, muy por debajo de los ojos de la modelo, le da más preeminencia y protagonismo. Bajar la cámara no significa inclinarla (contrapicarla) aunque es una posibilidad. Al agacharte y tirar de rodillas subes el cuerpo de la modelo dándole más importancia. Allí donde coloques la altura de la cámara dirigirás la mirada de quien ve tus fotos. La cámara baja aumenta el tamaño visual de las piernas.

La cámara alta atrae la mirada pero reduce el tamaño visual de las piernas, solo deberíamos usarlo como recurso estilistico para algunas fotos y no como estilo de imagen.

# Luz naturalista / simple / artificiosa. La luz naturalista se inspira en la luz del día. Consiste en una luz difusa, por tanto que no provoca sombras, creada por el cielo, que da un nivel de iluminación base para toda la escena y por tanto propociona el mismo diafragma en todas las direcciones. A esta luz base que proporciona el tono para las sombras, se suma la directa del sol, que proporciona la luz principal. Sus sombras son duras. La luz principal marca la hora y las formas, la base crea el estilo. La luz principal nos da el diafragma para las luces, la base el diafragma para las sombras. Cuando el día está cubierto su luz es solo difusa, solo base. La luz naturalista trata de imitar esta disposición. Consiste en al menos dos luces. La base, que la creas bien frontalmente (luz base en batería), bien rodeando la escena con focos (luz base envolvente) o bien dirigiendo la luz base desde arriba, ya sea filtrandola a través de un visillo, rebotándola al techo o con varios focos dirigidos hacia abajo como una matriz (luz base por techo radiante). A esta luz base, que es la primera que ajustas, para conseguir el diafragma sombras, añades un foco principal que puede ser un paraguas, una octa, una softbox, una beautydish, una parábola o una spotlight. De todo esto hemos hablado en el curso de iluminación.

# En el estilo de luz simple tratas de hacer una iluminación sin complicaciones, por ejemplo con un único foco más un reflector en un entorno no demasiado oscuro que proporciona la luz base por reverberación en el entorno y no por haber instalado focos para ello. Las luces simples y naturalista son casi una filosofía de la iluminación que trata de concentrar el trabajo en la actuación y no en la creación de efectos plásticos mediante la luz. Responde a los principios de luz para ver y luz para mirar.

# La luz artificiosa persigue un estilo complicado en el que la luz no solo expone o modela las formas, además trata de hacerse visible a si misma como objeto plástico. Por tanto no solo sigue los principios de luz para ver y luz para mirar, sino que añade el de luz para contemplar. Para ellos usa reflejos, filtros, luces coloreadas localizadas, manchas de luz, causticas. Mezcla luces de diferente temperatura de color, usa gobos de colores para manchar de color la escena. Cualquier recurso disponible que pinte la luz y que no la use solo para dar cuenta de la forma y la escena. Si no sabes de lo que estoy hablando, repasa el curso de iluminación. Repasa además la composición con luz y con colores para desarrollar tu lenguaje con esta sintaxis.

# Actitud estática / dinámica. Estas dos actitudes corresponden al fotógrafo. El estilo estático establece unas lineas de composición poderosas, verticales y horizontales nítidas, arquitectónicas Formas claras y rotundas. Términos de composición nítidos y bien marcados. Las curvas en la imagen son suaves y dirigen la mirada. La composición establece caminos para el ojo que dejan claro donde mirar.

# El estilo dinámico funciona mediante líneas diagonales y curvas bajo las que subyace un camino para la mirada pero que se desdibuja dando pié a más de un camino visual. El estilo dinámico no se pliega a la nitidez sino que acude a menudo a soluciones gráficas como desenfoques o movimientos.

# Hay tres elementos en la composición formal de una imagen: puntos, líneas y manchas. Las líneas son los trazos que dejan los puntos al moverse. Hay tres tipos de líneas, las rectas las inclinadas y las curvas. Las líneas rectas pueden ser explicitas o implícitas Las líneas explicitas están trazadas o sugeridas por las formas. Las líneas implícitas las crea el ojo uniendo elementos de la composición. Las líneas implícitas pueden dar lugar a figuras de composición cuando se cierran en un circuito, esto es, la línea construida por el ojo uniendo puntos acaba con un segmento cuyo extremo es el primer punto con el que arranca la figura. Existen muchos esquemas compositivos bajo los que subyace una figura implícita. Las líneas verticales y horizontales dan idea de orden, de solidez, mientras que las inclinadas transmiten una sensación de movimiento, de dinamismo, de inquietud.

# El cuadro de la imagen se divide en cuatro mitades: dos verticales y dos horizontales que dan lugar a cuatro áreas. Según Kandinsky todo lo colocado en la mitad derecha o inferior adquiere mayor peso visual que lo colocado en el lado izquierdo o superior. Como consecuencia al mezclar las dos divisiones resulta tener el área inferior derecha el mayor peso mientras que la superior izquierda tiene la menor. Las otras dos, inferior izquierda y superior derecha tienen un peso medio. Una figura tiene por tanto más peso abajo a la derecha, menos arriba a la izquierda y un peso intermedio en los otros dos. Una diagonal trazada desde la esquina inferior izquierda a la superior derecha se asienta con igual peso en ambos extremos y resulta, por tanto, estática. En cambio, una línea situada sobre la diagonal que desciende arriba a la izquierda hacia abajo a la derecha tiene mucho más peso en un parte inferior que en la superior, con lo que tiene una sensación visual en la que tiende a subir. Es una diagonal dinámica.

# Actitud espontánea / posada. Estas dos actitudes corresponden a la modelo. La actitud de la modelo es una de las líneas más importantes que hay que trabajar. El estilo de imagen posada se realiza mediante un posado muy meditado. La modelo ejecuta la pose o bien realiza movimientos lentos. La estilización excesiva de la pose puede resultar anticuada y estrafalaria por lo que solo habría que adoptarla como recurso expresivo para imágenes concretas y no como marca de tu casa. No obstante es el error en que caen muchos aficionados a la fotografía que piensan que hacen fotografía de moda. Esto no significa que el estilo estático no sea profesional, sino que hay que cuidar cuando nos acercamos a ese estilo de maniquíes de dedos rígidos y rictus en las caras. El estilo posado parte de poses ejecutadas en tranquilidad en las que se puede llegar a controlar el movimiento de cada articulación o la posición de cada mirada. A veces la pose estática es la manera de trabajar con la modelo cuando la iluminación se hace marcando áreas muy concretas de la escena. En estos casos la luz suele ser artificiosa y cada rayo de luz, cada mancha está creada sobre la figura para obtener un efecto concreto, razón por la que la pose debe adaptarse a la luz y nunca sabemos bien qué ha sido antes, si la pose y después la luz o bien si ésta se ha creado primero en la cabeza el fotógrafo y la pose se ha adaptado a la luz creada. El estilo posado, puede estar sugerido también por el uso de flashes de potencia con tiempos de recarga largos (medio segundo, un segundo o más) o cuando fotografiamos con placas o hay que realizar fotomontajes posteriormente. La interpretación de la modelo en el posado es similar a la de una escultura en la que el movimiento se detiene en el momento culminante de la cadena de posiciones de la acción.

# El estilo espontaneo puede ejecutarse marcando un área de movimiento a la modelo y disparando con un equipo que permita hacer ráfagas o, al menos, multiplicar los disparos para una única imagen. Para poder disparar a ráfagas, hasta hace poco solo podíamos emplear luz contínua, pero hoy en día existen equipos de flashes de carga rápida. Como regla general la carga del flash se acorta cuando bajamos el ajuste de potencia, una de las razones por las que conviene emplear flashes de mayor potencia que la que pensamos necesaria. Por ejemplo, es preferible usar un compacto de 1000 vatios disparado a 250w (quitandole dos pasos de potencia) antes que un flash de 250w porque el primero recargaría (teóricamente) más rápidamente estar ajustado a un cuarto mientras que el segundo debe cargarse por completo. El estilo espontáneo trabaja sobre el gesto y la actitud. Es mucho más cercana al lector que el posado, lo que facilita la identificación entre producto mostrado y público. Para poder trabajar el estilo espontáneo debes jugar con una cámara con un enfoque muy rápido o una profundidad de campo aceptable. En el ejercicio de test tienes unas recomendaciones sobre el ajuste del diafragma y de la iluminación para dar espacio de movimiento a la modelo. La interpretación de la modelo en éste estilo es mucho más espontáneo, la modelo no se para, somos nosotros quienes debemos capturar los gestos y actitudes.

Acreditacion de la experiencia profesional para técnicos de iluminación escénica

ACREDITACIÓN DE LA EXPERIENCIA PROFESIONAL PARA TÉCNICOS DE ILUMINACIÓN ESCÉNICA

"Reconocimiento y acreditación de competencias profesionales".
Paco Rosso, profesor de imagen y sonido e iluminación escénica, miembro de AAI, evaluador del programa ACREDITA en la Junta de Andalucía en la familia profesional Imagen y Sonido.
En Cädiz, febrero de 2022.

Qué son las acreditaciones
	El sistema de “reconocimiento y acreditación de competencias profesionales” pretende dotar a las personas con experiencia profesional en un sector de los documentos oficiales que le permiten identificarse como profesional del mismo.
	A este proceso se le llama "acreditación de las competencias". Antiguamente esto solo podía hacerse mediante un "título" que ofrecía el sistema educativo.
El sistema nuevo (desde 2011) permite acreditar las competencias de tres maneras:
	-Mediante el sistema antiguo (título del sistema educativo).
	-Mediante un "certificado de profesionalidad" (cursos ofertados por entidades de empleo y que regulan en la actualidad los antiguos "cursos de formación ocupacional del INEM")
	-Y mediante el "reconocimiento de la experiencia profesional". Lo que se consigue con éste último no es un título de FP (como muchas veces se dice) sino un documento igualmente válido ante las autoridades de trabajo, la “acreditación profesional”.

	Las diferencias entre el título y la acreditación es de caracter académico y no profesional. Es decir, el título supone la superación de un nivel de educación con todo lo que ello conlleva mientras que la acreditación no.
	En resumen, para que tu puedas decir que eres técnico de algo tienes que tener la "cualificación” de ese algo. La cualificación es un documento, que realiza el ministerio de educación y el de empleo o como quiera que se llamen esta semana, en el que se define en qué consiste ser "técnico de algo".
	La cualificación está dividida en "competencias profesionales"  que son el conjunto de conocimientos, habilidades y destrezas que debe dominar el profesional. 

La cualificación de iluminación escénica
	En nuestro caso, de técnicos de iluminación escénica, la cualificación se llama "Luminotecnia para espectáculos en vivo" y tiene tres competencias, una dice que sabes diseñar una producción (UC 210), otra que dice que sabes montar los focos (UC211) y otra que dice que sabes usarlos durante los ensayos o el desarrollo de la función (UC 212).
	La cualificación es la que manda profesionalmente. El título de formación profesional y el de las escuelas superiores de arte dramático lo que hacen es recoger esta cualificación y desarrollar los cursos para obtenerla. Y además hay otras dos formas de "acreditar las competencias": mediante cursos del ministerio de trabajo (o como se llame esta semana) y mediante el reconocimiento de tu experiencia en el sector. Pero ya no es el título el que manda, sino que los tres procedimiento se sitúan por debajo de la "cualificación".

El nuevo método de reconocimiento de la experiencia
	Si no tienes "una titulación apropiada" pero si al menos 2000 horas de experiencia desarrolladas en un intervalo de 3 años durante los últimos 15 años puedes pedir que se te reconozca la experiencia para obtener la “acreditación de las competencias".
	Hasta el año pasado, 2021, el sistema para hacerlo era muy restrictivo y había que esperar a que cada gobierno autonómico dijera cuales eran las cualificaciones que ese año se iban a reconocer. Pero el sistema nuevo, que empieza este año 2022, permite a cualquier persona solicitar que se le reconozca su experiencia en cualquier cualificación. Es decir, que no tenemos que esperar a que haya una convocatoria de tu cualificación sino que tu puedes solicitar que te evalúen. Esta evaluación se realiza en centros asignados para tal fin en cada comunidad autónoma.

Enlaces a los organismos
	El organismo que organiza todo esto a nivel nacional es el “Instituto Nacional De Cualificaciones Profesionales” (INCUAL) cuya web es http://incual.educacion.gob.es

Y hay información sobre el tema en el SEPE y en todo fp: www.todofp.es/acreditacion-de-competencias.html

A su vez cada comunidad autónoma dispone de su propio organismo que deberíais buscar en la web de la comunidad. Son las siguientes:

ANDALUCÍA: www.juntadeandalucia.es/educacion/portals/web/iacp
ARAGÓN: www.peacaragon.es
ASTURIAS:  https://trabajastur.asturias.es/acreditacion-de-la-competencia-profesional
BALEARES:  www.caib.es/sites/iqpib/es/inicio/?campa=yes
CANARIAS:  www3.gobiernodecanarias.org/empleo/portal/web/sce/temas/acreditacion_de_experiencia_laboral
CANTABRIA:  https://acreditacantabria.es
CASTILLA LA MANCHA:  www.educa.jccm.es/es/fpclm/acredita-convocatoria-2021-acreditacion-competencias-profes
CASTILLA LEÓN:  www.educa.jcyl.es/adultos/es/acreditacion-competencias-profesionales
CATALUÑA:  https://acreditat.gencat.cat/es
CEUTA:  www.todofp.es/acreditacion-de-competencias.html
EXTREMADURA:  https://extremaduratrabaja.juntaex.es/formacion_instituto
GALICIA:  www.edu.xunta.gal/fp/acredita
MADRID:  www.comunidad.madrid/servicios/empleo/certificados-profesionalidad#convocatorias-acreditacion-experiencia
MELILLA:  www.todofp.es/acreditacion-de-competencias.html
MURCIA:  www.carm.es/web/pagina?IDCONTENIDO=20859&RASTRO=c816$m&IDTIPO=100
NAVARRA: https://cualificaciones.educacion.navarra.es/index.php/convocatorias
PAIS VASCO:  https://ivac-eei.eus/es/reconocimiento-competencias/
LA RIOJA:  www.larioja.org/educarioja-fp/es/acreditacion-competencias
COMUNIDAD VALENCIANA: ceice.gva.es/es/web/cualificaciones-profesionales/acreditacion-de-las-competencias-profesionales

Las convocatorias abiertas este año
Las convocatorias para este año podeis verlas en esta dirección
CONVOCATORIAS PARA 2022: https://www.todofp.es/acreditacion-de-competencias/convocatorias/2022.html

Ojo que estas convocatorias no son como las que se hicieron de 2011 hasta 2021 sino que van por el nuevo método en el que tu puedes proponer que te evaluen, pero tiene que ser en las fechas que se indican en la convocatoria.

¿Quien puede acceder a la acreditación de la experiencia?
Para poder presentarte debes reunir las siguientes condiciones:
	-Nacionalidad española o autoriazción de residencia.
	-Mayor de edad.
	-Experiencia laboral o formación relacionada.
	-Experiencia laboral: al menos 3 años con un mínimo de 2000 horas en los últimos 15 años. Justificadas mediante documento.
	-Formación: al menos 300 horas en los últimso 10 años. Justificadas mediante documento.

Como funciona el proceso de reconocimiento
El procedimiento consiste en una primera fase de información seguida de una inscripción, que realiza cada comunidad autónoma. Tras la inscripción se realiza una fase de "asesoramiento" en la que se revisa la información aportada y se te permite pasar a la siguiente fase, la de “evaluación” que consiste en una serie de pruebas y acciones para comprobar que efectivamente dominas la profesión. Tras un resultado positivo de la evaluación puedes solicitar la acreditación.

Hay que tener en cuenta los siguientes aspectos del proceso: una cualificación ("Luminotecnia para espectáculos en vivo") está compuesta por varias "competencias", en nuestro caso las codificadas como 210, 211 y 212. En la fase de asesoramiento comprobamos con la documentación aportada por ti cuales de las competencias (en nuestra profesión estas tres citadas) dominas y cuales no. La palabra técnica que usamos para decir que dominas una competencia es "demostrada". Si en la fase de asesoramiento se detecta que una competencia no la tienes demostrada, bien por falta de experiencia profesional concreta en la misma o bien porque la formación que tienes no es adecuada, se demuestra en la fase de evaluación.
Ojo que esto no significa que demuestras la competencia con la experiencia, sino que el proceso de evaluación es diferente para las competencias demostradas y las que resultan dudosas.
Una vez demostradas todas las competencias, puedes solicitar la acreditación.

¿Y qué sucede si no puedes demostrar alguna de las competencias? Pues se te recomiendo una formación específica sobre la que te falta. Por ejemplo, tienes experiencia en el montaje de la instalación de iluminación (Unidad de Competencia 211) pero no tienes ninguna en la programación de la mesa (Unidad de Competencia 212), pues se te recomendaría hacer algún curso que cubriera esta competencia y volver a evaluarte más adelante.

Sobre el tema podeis leer más aquí:https://incual.educacion.gob.es/documents/35348/80300/FolletoDigital_INCUAL_Mayo2021_nipo/

CUALIFICACIÓN Y CERTIFICADO DE PROFESIONALIDAD.
Como he dicho la raiz de todo el sistema es la cualificación, que puedes consultarla en la web del INCUAL.
Los títulos académicos se obtienen en el sistema de educación reglada y son cosas de la autoridad educativa (el Ministerio de Educación, las consejerías de educación). Los cursos "oficiales", que no pertenecen al sistema reglado, se programan a partir del "certificado de profesionalidad" y los puede impartir cualquier centro de formación ("academias") debidamente autorizados por la autoridad que corresponda.
Así que si buscas un "programa" de formación te vas a encontrar de uno a tres. El uno es la "cualificación", que ya digo es la raíz de todo esto. Quizá haya un título de formación reglada, que puede que sea de formación profesional, o de escuelas de arte, o incluso impartido por una universidad. Y quizá haya un "certificado de profesionalidad" que es lo que daría una academia que quisiera impartir cursos sobre una profesión.

Las cualificaciones están categorizadas en "niveles" identificadas por un número siendo el más bajo (1) el de menor cualificación. En principio la numeración del nivel de competencia no tiene nada que ver con el nivel educativo, sino con las responsabilidades, conocimientos y habilidades que se esperan de la persona trabajadora que las tenga. Sin embargo la costumbre hace que se identifique el nivel 2 con los ciclos medios de formación profesional y de escuelas de arte, el nivel 3 con los ciclos superiores y el nivel 4 con los grados universitarios. En nuestro ambiente solo hay cualificaciones de nivel 2 y 3.

NUESTRAS CUALIFICACIONES:
Todas las cualificaciones posibles están listadas en el llamado "Catálogo de familias profesionales".
La de iluminación está en la familia de "Imagen y Sonido" y hay otras cualificaciones también de escénica que estan en la familia "Arte y artesanías". Las resumo por si tuvieras interés en alguna otra especialidad escénica.

-Solo hay una de iluminación, "Luminotecnia para Espectáculos en Vivo", de nivel 3. Tiene un certificado de profesionalidad y un ciclo de formación profesional "Iluminación, captación y tratamiento de imagen". Las escuelas superiores de arte dramático imparten iluminación en el grado de Escenografía.

Hay cuatro cualificaciones de sonido, una de las cuales solo trata de sonido para producciones audiovisuales mientras que las otras tres tratan sonido para espectáculos en vivo una de nivel 3, otra de nivel 2 (operaciones de sonido) y otra de nivel 2 que define las competencias para un disk jockey de música y vídeo, y que reciben formación básica en iluminación de espectáculos en vivo.

Hay dos cualificaciones de nivel 3 para técnicos de escena: construcción de decorados, maquinaria escénica y utilería.
Y hay otras tres cualificaciones, también de nivel 3, una de regiduría de espectáculos en vivo y otra de asistencia a la dirección técnica para espectáculos en vivo.

Naturalmente hay otro conjunto de cualificaciones para producciones audiovisuales, de las que no he hablado aquí.

Cañaílla

Osea murex

Murex

Dionisiaca

Joana, el alma dentro y fuera del cuerpo.

Deca

Uno

Duo

 

Tera

Quatro

 

La niña del espejo